Pin Up

Novo projeto

2011-07-26T14:24:00.001-03:00

Olá, queridos seguidores.

Andei sumida, mas é que assumi um novo projeto retrô super bacana! Tenho certeza de que vocês irão gostar.

É a Santa Querupita, uma webstore repleta de nostalgia, a marca busca resgatar o que houve de melhor na música, cinema e cultura geral das décadas passadas.

A princípio estamos com uma coleção inspirada nos anos 80 e 90, mas décadas anteriores estão por vir em forma de estampas bacanérrimas!

Deem uma passadinha por lá e no blog da Santa Querupita que agora escrevo.

Espero por vocês!
Webstore: http://santaquerupita.com
Blog: http://santaquerupita.com/blog

The Brazilian Bombshell

2010-01-11T12:48:00.001-02:00

Maria do Carmo Miranda da Cunha, portuguesa de nascimento, brasileira de coração, Carmen Miranda jamais se naturalizou americana, apesar dos dezesseis anos vividos como imigrante nos Estados Unidos.

O grande sucesso veio a partir de 1930, quando gravou a marcha "Pra Você Gostar de Mim" ("Taí") de Joubert de Carvalho. Antes do fim do ano, já era apontada pelo jornal O País como "a maior cantora brasileira".

Em 20 de janeiro de 1936, estreou o filme Alô, Alô Carnaval. Depois de uma apresentação para o astro de Hollywood Tyrone Power em 1938, cogitou-se a possibilidade de uma carreira nos Estados Unidos. Carmen recebia o fabuloso salário no Cassino da Urca e não se interessou pela idéia.

Em 1939, o empresário estadunidense Lee Shubert e a atriz Sonja Henie assistiram ao espetáculo de Carmen no Cassino da Urca. Depois de um espetáculo no transatlântico Normandie, Carmen assinou contrato com o empresário. A execução do contrato não foi imediata, pois a cantora fazia questão de levar o grupo musical Bando da Lua para a acompanhar, mas o empresário estava apenas interessado em Carmen. Depois de voltar para os Estados Unidos, Shubert aceitou a vinda do Bando da Lua. Carmen partiu no navio Uruguai em 4 de maio de 1939, às vésperas da Segunda Guerra Mundial.

Desde o início de sua carreira americana, Carmen fez uso de barbitúricos para poder dar conta de uma agenda extenuante, tratou-se, porém não abandonou totalmente o uso da droga e do alcóol. Como conseqüência, aos 46 anos, morreu vítima de um colapso cardíaco fulminante.

"Mais do que o samba, mais do que a marchinha carnavalesca ou a marcha-rancho, a batucada é o ritmo mais chegado ao meu coração de brasileira. Só que também me deixa triste. Quando canto "Adeus, Batucada", sinto um aperto no coração, um nó na garganta. Parece-me uma marcha fúnebre de boêmios."

Carmem Miranda

As pin-ups Gil Elvgren

2009-12-01T18:44:00.026-02:00

Vale a pena correr para a livraria mais perto de sua casa e adquirir um exemplar do belíssimo GIL ELVGREN - THE COMPLETE PIN UPS.

Gil Elvgren fotografava suas modelos para imprimir em suas telas as garotas calendário, foi considerado por muitos anos um artista essencialmente comercial.

Obviamente, os apreciadores da arte pin-up não concordam com esta opinião, porém muitas de suas obras foram usadas em propagandas, principalmente da Coca-Cola.

Deixo-os com duas das minhas obras favoritas, pelo menos uma delas virará tatuagem em breve ;).

Dita no Jô Soares

2009-12-01T18:13:00.004-02:00

Vídeo um pouco velho, acredito que muitos já viram. Entrevista de Dita Von Teese em sua passagem pelo Brasil em outubro.

Para Assistir

2009-08-08T08:42:00.000-03:00

A Malvada

O Título Original é All About Eve e o ano de lançamento é 1950.

Para quem não tem paciência para filmes antigos esse certamente foge ao ritmo dos filmes da mesma época, primeiramente porque começa de forma não linear na noite de entrega do prêmio Sarah Siddons, onde Eve (Anne Baxter) é reconhecida por sua atuação em uma peça. A sequência do filme é um retrospecto e mostra quando Eve conhece e é contratada como secretária de Margo Channing (Bette Davis), uma grande estrela da Broadway.

A obsessão pela fama e a falta de escrúpulos de Eve prendem o espectador até o final desse interessantíssimo filme.

Elenco:

Bette Davis (Margo Channing)

Anne Baxter (Eve Harrington)

George Sanders (Addison De Witt)

Celeste Holm (Karen Richards)

Gary Merrill (Bill Sampson)

Hugh Marlowe (Lloyd Richards)

Gregory Ratoff (Max Fabian)

Barbara Bates (Phoebe)

Marilyn Monroe (Claudia Caswell)

No rastro de Dita

2009-05-23T10:48:00.010-03:00

Algumas coisas que acontecem, definitivamente, não dá para entender.

Dita Von Teese participou do show do grupo Alex Swings Oscar Sings no Eurovision Song Contest. É realmente estranho uma pessoa tão classuda e retrô como ela fazer esse tipo de apresentação.

Não que eu tenha alguma coisa contra o grupo Alex Swings.... who?, aliás nem os conheço. A verdade é que ficou no mínimo ridículo esse mix de pin-up pós-moderna com dançarino/cantor latin lover.

As fotos e o vídeo, abaixo, não me deixam mentir.

XIV Encontro Paulista de Autos Antigos

2009-04-25T11:54:00.016-03:00

O XIV Encontro Paulista de Autos Antigos de Águas de Lindóia aconteceu entre os dias 18 e 21 de abril e reuniu uma legião de colecionadores.

O Estado de São Paulo tem o maior número de clubes na Capital e Interior. Para ampliar essas raízes e unindo forças surgiu o "Encontro Paulista de Autos Antingos", que hoje é o maior encontro de carros antigos no Brasil.

Rolls Royce Corniche

Jaguar E-Type

Jaguar E-Type Series II Roadster (1970)

Mercedes-Benz 190 SL Roadster

Porsche 911 Carrera (911)

Mercedes-Benz 190 SL Roadster

Mais informações no site www.encontropaulistadeautos.com.br

Rion Vernon

2009-04-19T10:43:00.008-03:00

Artista das Pin-Up Toons e designer de jogos Rion Vernon mostra na internet suas garotas.

O estilo divertido e variado vai do retrô ao mais moderno.

Muito bacana, vale a pena dar uma olhada em sua galeria.

http://www.pinuptoons.com

Bondage

2008-05-27T17:02:00.008-03:00

Bondage é o ato de restringir os movimentos de alguém ou amarrá-lo. A pessoa pode estar amarrada a alguma coisa ou suspensa de algum lugar ou simplesmente ter seus membros amarrados. Ela pode estar completamente paralisada ou ter movimentos parciais.
Para muitos, a excitação em bondage vem da fantasia ou do ato de estar fisicamente preso ou amarrado. Isso está geralmente ligado a comportamento submisso. Para muitos, bondage é a manifestação física de um desejo de dar o controle a outra pessoa. O ato de bondage pode ser uma recordação permanente ao submisso de que ele não tem mais controle sobre o que acontece com ele. As sensações de estar amarrado também podem ser excitantes por si mesmas, pois elas podem causar estresse no corpo e podem dar ao submisso algo contra o que lutar.
Bondage é um componente comum em brincadeiras SM e pode preencher diversas funções. Pode impedir que o masoquista se mexa ou que inflinja dor em si mesmo, ou uma combinação de ambos.
Para praticantes de troca de poder, a restrição de movimentos amplifica a sensação da transferência de controle ao outro, ou o poder que um tem sobre o outro. Dependendo da natureza da brincadeira, pode ou não haver contato sexual ou libertação ao final da sessão.
Muitos têm prazer estético em um bom bondage de cordas. Bondage de cordas japonês é um tema a parte.

Bettie Page

É freqüentemente utilizado por casais como uma técnica sexual para melhorar e prolongar o sexo entre eles. Nesse caso a sessão geralmente termina em alguma forma de libertação sexual, por masturbação ou penetração sexual.
As técnicas de bondage podem ser divididas em sete categorias principais:
Bondage que prende partes do corpo juntas (bondage de cordas, correntes, tiras)
Bondage que mantém partes do corpo separadas (barra de separação, Cruz de Sto. André)
Bondage que amarra o corpo a outro objeto (como cadeiras ou pelourinho)
Bondage que suspende o corpo em outro objeto (suspensão)
Bondage que restringe movimentos normais (saias Hobble, algemas, mulher pony)
Bondage que embrulha o corpo todo ou parte dele em filme plástico (clingfilm, mumificação, gaffer tape)
Bondage que fornecem um ambiente confinado e preso (jaulas, celas)

O desenho de um ambiente que permite que pessoas pratiquem suas fantasias de bondage é chamado de masmorra, que pode ter uma ampla gama de equipamentos SM.
Bondage também pode ser praticada por um indivíduo apenas, fato que é conhecido como auto bondage. Essa é, por definição, uma atividade arriscada, já que sempre existe o risco de o praticante não conseguir se soltar ao final da sessão.

Fonte: BDSMbrasil

Street Machine

2008-05-15T11:27:00.006-03:00

O Street Machine é um site bacanérrimo que apresenta customs, muscle cars, classic cars e hot rods.

A parte mais interessante e que arranca suspiros dos apaixonados por carros antigos é a galeria de fotos. Vale muito a pena perder horas admirando essas máquinas maravilhosas.

Eu não poderia deixar de colocar aqui algumas das minhas imagens preferidas e que você pode encontrar também no site.

http://www.streetmachine.com.br/

Pin-up do mês de maio

2008-05-13T15:00:00.006-03:00

Nascida Audrey Kathleen Ruston na capital belga, era a única filha de Joseph Anthony Ruston (um banqueiro anglo-irlandês) e Ella van Heemstra (uma baronesa holandesa descendente de reis ingleses e franceses). Seu pai anexou o sobrenome Hepburn, e Audrey se tornou Audrey Hepburn-Ruston. Ela tinha dois meio-irmãos, Alexander e Ian Quarles van Ufford, do primeiro casamento da sua mãe com um nobre holandês.

Audrey foi considerada, a príncípio, uma garota "alta, ossuda, de pés excessivamente grandes para se tornar uma estrela". Mas Audrey, mesmo vivendo na época em que as baixinhas, de curvas generosas, pés miúdos e olhos claros imperavam, soube usar os seus "defeitos" como seus dons e conquistar o mundo com seu lindo rosto, sua elegância e seus profundos olhos castanhos. Segundo o estilista Givenchy, que era incumbido de vestí-la, Audrey era um ideal de elegância e uma inspiração para o trabalho dele.

Audrey sempre será lembrada pelo filme Bonequinha de luxo (Breakfast at Tiffany's, 1961) como Holly Golightly, uma prostituta de luxo que sonhava em se casar com um milionário, papel totalmente oposto ao com que ela foi premiada com o Oscar de 1954, em que vivia Ann, uma princesa que fugindo de seus deveres reais, se apaixona por um jornalista interpretado por Gregory Peck, em A princesa e o plebeu (Roman Holiday, 1953).

O ator Gregory Peck, par romântico de Audrey no filme A Princesa e o Plebeu (Roman Holiday, 1953), foi quem a apresentou ao ator Mel Ferrer, que, depois de participar de uma peça com Hepburn, pediu-a em casamento. A atriz contracenou no filme Guerra e Paz (War and Peace, 1956) com o então marido Mel Ferrer. Os dois fizeram um casal, em que Audrey interpretava uma aristrocrata russa, que se apaixona pelo princípe da Rússia André (Mel Ferrer).

Depois de nascimento dos filhos, ela abandonou a carreira no cinema. Ao final de sua vida, nomeada embaixadora da UNICEF, trabalhou incansavelmente como voluntária para causas infantis. Hepburn falava francês, italiano, inglês, holandês e espanhol. Havia dúvidas se ela falava espanhol ou não, mas recém descobertas imagens da UNICEF mostram-na falando a língua fluentemente no México. No filme Bonequinha de Luxo, ela é mostrada tentando aprender português, e reclama do grande número de verbos irregulares.

De acordo com seu filho Sean Ferrer, os filmes favoritos dos quais estrelou foram Uma cruz à beira do abismo (por sua mensagem social) e Cinderela em Paris (por ter se divertido muito nas filmagens deste). No entanto, ela havia declarado numa entrevista à Barbara Walters que A princesa e o plebeu era o filme mais querido dela.

Além de um rosto bonito, Audrey era uma mulher humilde, gentil e charmosa, que preferia cuidar dos outros a seu redor do que de si mesma. É considerada a eterna "bonequinha de luxo". Faleceu aos 64 anos, de câncer no útero.

Filmografia

1948 - Dutch in Seven Lessons (documentário)

1951 - Monte Carlo Baby

1951 - Laughter in Paradise

1951 - One Wild Oat

1951 - O mistério da torre (The Lavender Hill Mob) (1951)

1951 - Young Wives' Tale

1952 - The Secret People

1952 - We Will Go to Monte Carlo (versão francesa de Monte Carlo Baby)

1953 - A princesa e o plebeu

1954 - Sabrina

1956 - Guerra e paz

1957 - Cinderela em Paris

1957 - Um amor na tarde

1959 - A flor que não morreu

1959 - Uma cruz à beira do abismo

1960 - O passado não perdoa

1961 - Bonequinha de luxo

1961 - Infâmia

1963 - Charada

1964 - Quando Paris alucina

1964 - Minha bela dama

1966 - Como roubar um milhão de dólares

1967 - Um caminho para dois

1967 - Um clarão nas trevas

1976 - Robin e Marian

1979 - A herdeira

1981 - Muito sorriso e muita alegria

1989 - Além da eternidade

Prêmios

Audrey Hepburn se tornou um dos poucos artistas a conseguir ganhar as maiores honras de cada arte hollywoodiana: Tony (teatro), Oscar (cinema), Grammy (música) e Emmy (televisão).
Oscar

1993 - Prêmio Humanitário Jean Hersholt (póstumo)

1954 - Melhor atriz por A princesa e o plebeu
Tony

1954 - Melhor atriz por Ondine

1968 - Prêmio especial por sua carreira
Grammy

1993 - Melhor álbum de histórias para crianças por Audrey Hepburn's Enchanted Tales (póstumo).
Emmy

1993 - Melhor performance individual num programa informativo por Gardens of the World (póstumo). Além de ter ganho os maiores prêmios de cada área do entretenimento, Audrey Hepburn também ganhou outros prêmios importantes do cinema, como:
BAFTA

1965 - Melhor atriz por Charada

1960 - Melhor atriz por Uma cruz à beira do abismo

1954 - Melhor atriz por A princesa e o plebeu
Globo de Ouro

1990 - Prêmio Cecil B. DeMille pelo conjunto de sua obra

1955 - Atriz favorita do mundo

1954 - Melhor atriz num filme dramático por A princesa e o plebeu
SAG

1993 - Prêmio pelo conjunto de sua obra

Curiosidades

Todos se lembram de quando Marilyn Monroe cantou parabéns a você para o presidente John F. Kennedy, em 1962. Mas poucos se lembram de que foi Hepburn quem cantou para ele em seu último aniversário, em 1963.

O poema favorito de Audrey Hepburn era Unending Love, de Rabindranath Tagore.

A diva da ópera Maria Callas adorava o visual de Hepburn e adotou-o para si mesma na década de 1950.

Nas décadas de 1980 e 1990, o seriado de televisão favorito de Audrey era L.A. Law.

A modelo Kally Michalakif, em 10 de outubro de 2006, relembrou a atriz Audrey Hepburn nas ruas de Nova Iorque, realizando o mesmo trajeto que a atriz, há quase 50 anos, no filme Bonequinha de luxo (Breakfest at Tiffany's, 1961), realizara na frente da Joalheria Tiffany. Na verdade, foi um desfile - a modelo usava um figurino semelhante ao da atriz - que tinha como objetivo promover o leilão de objetos de filmes, e que foi realizado em 5 de dezembro do mesmo ano, na casa Christie's South Kensington, em prol da entidade City of Joy Aid que ajuda pessoas necessitadas na Índia. O vestido usado pela atriz no filme Breakfast at Tiffany's foi leiloado em dezembro de 2006 na Christie's, em Londres, por 410 mil libras (800 mil dólares), dinheiro destinado à construção de 15 escolas para crianças indianas pobres.

Fonte: Wikipédia

Os favoritos de Marilyn Monroe

2008-04-30T11:44:00.003-03:00

Atores: Marlon Brando, Clark Gable, Charles Chaplin, Charles Laughton, Will Rogers, Cary Grant, John Barrymore, Tyrone Power, Richard Widmark

Atrizes: Greta Garbo, Jean Harlow, Ginger Rogers, Marie Dressler, Joan Crawford, Olivia de Havilland

Companhia Aérea: TWA

Artistas: Goya, Picasso, El Greco, Michelangelo, Botticelli

Bebida: Dom Perignon 1953

Livro: "How Stanislavsky Directs" de Michael Gorchakov

Cores: Bege, preto, branco, vermelho

Cantora: Ella Fitzgerald

Cantor: Frank Sinatra

Foto: de Cecil Beaton com vestido branco

Músicos: Louis Armstrong, Earl Bostick, Ludwig von Beethoven, Wolfgang Amadeus Mozart

Perfume: Chanel n.º 5

Creme: Nivea Body Lotion

Peças Teatro: "A Street Car Named Desire", "Death of a Salesman"

Poetas: John Keats, Walt Whitman

Restaurante (em Hollywood): Romanoff's

Loja: Bloomingdale's

Escritores: Dostoyevsky, J. D. Salinger, George Bernard Shaw, Thomas Wolfe .

Lembrança: Coreia

Para assistir

2008-04-18T15:40:00.010-03:00

...E o vento levou

E o Vento Levou (Gone With the Wind, 1939) não é a maior obra-prima do cinema americano, mas é, indiscutivelmente, o filme mais popular produzido em Hollywood em todos os tempos. Passados mais de 60 anos, a história de sua realização é ainda lembrada. Pelos excessos, pelo academicismo e pela capacidade de galvanizar sucessivas gerações de espectadores. Pode-se até dizer que o E o Vento Levou representa o melhor e o pior do cinema: o espetáculo travestido de arte, a grandiloqüência de um sistema de produção, o anonimato como autoria.
Tudo isso e muito mais. Porém, a despeito do glamour do cinema da época, E o Vento Levou tornou-se um patrimônio de valor inestimável. Mais do que uma obra cinematográfica, o filme ganhou estatura de animal mitológico. Seus diálogos são daqueles lembrados na ponta da língua. E a música de Max Steiner é sempre reconhecida nos primeiros acordes. Por trás de tudo, o sonho inquebrantável de um dos maiores fabricantes de sonhos de Hollywood: David O. Selznick. Ou melhor, o gênio do sistema da época de ouro do cinema americano. Foi sob a autoridade deste homem que foi possível a transposição para às telas do romance de Margaret Mitchell. Na sua realização, Selznick despediu e contratou roteiristas e diretores ao seu bel prazer. Scott Fitzgerald e Ben Hecht escreveram trechos do filme, mas o único a assinar foi Sidney Howard. Victor Fleming ganhou o crédito de diretor, mas George Cukor, Sam Wood e o diretor de arte William Cameron Menzies responsabilizaram-se por muitas seqüências.
No entanto, apesar de todo esse entra e sai, de vira e mexe da produção, não se pode dizer que falta coerência ao E o Vento Levou. Muito pelo contrário. Desde a concepção pictórica - amparada num fantástico uso do Technicolor pelos fotógrafos Ernest Haller e Ray Rennahan - às interpretações do elenco coadjuvante, o filme é de um primor absoluto. Mas, o que faz a sua grandeza é, principalmente, a maneira como um passado do país é representado e a cativante dupla de protagonistas, interpretados por Clark Gable e Vivien Leigh. Leigh, que venceu uma batalha entre muitas atrizes para ficar com o papel, faz uma Scarlett O'Hara magnífica. E nem é temerário afirmar: Scarlett O'Hara é uma das mais cativantes personagens femininas da história do cinema. Mimada, manipuladora e instável, ela é o que se pode chamar de uma mulher complexa.
Gable, que faz o aventureiro Rhett Butler, foi uma escolha natural de Selznick. Ele empresta humor e muita testosterona ao seu papel. Mesmo com essa sedução extremada, não dá para fechar os olhos diante de um filme que é também um monumento ao racismo e ao machismo. A Academia assinou em baixo dando a E o Vento Levou nada menos que 10 Oscars (entre eles filme, direção, roteiro, fotografia, montagem, atriz, atriz coadjuvante e direção de arte).

Sinopse: Narra a complicada vida de Scarlet O’Hara (Vivien Leigh), seus amores e desilusões em um período que tem a Guerra Civil Americana como pano de fundo. Clark Gable é Rett Butler, um vivido aventureiro que passa pela vida de Scartlet, em uma relação de amor e ódio marcada por conflitos já clássicos e cenas inesquecíveis de amor. Praticamente o inventor das telenovelas, devido aos conflitos constantes de emoções manifestadas e o romance como tema – não necessariamente por uma outra pessoa, e sim por uma causa, lugar ou qualquer outra coisa que se refira sentimentalmente ao personagem.

Direção: Victor Fleming
Elenco: Clark Gable, Vivien Leigh, Leslie Howard, Olivia de Havilland, Hattie McDaniel, Thomas Mitchell, Barbara O'Neil, Evelyn Keyes, Ann Rutherford, George Reeves, Fred Crane, Oscar Polk, Butterfly McQueen, Victor Jory, Everett Brown

Fonte: Nostalgia BR

Scarlett e Dita

2008-04-08T17:14:00.005-03:00

Fotos do ensaio para a revista Flaunt.

Marilyn and the Camera

2008-04-02T11:11:00.004-03:00

"A primeira vez que me encontrei com Marilyn, ela estava dançando com o seu primeiro marido, Jim Dougherty, que foi meu colega de escola. Ele estava de uniforme e chamou-me: "Ei, fora-da-lei! Quero que conheça a minha mulher, Norma Jeane". Olhei para cima a partir da mesa onde me encontrava e vi uma coisa pequenina de cabelos castanhos claros e sorriso doce. Acenamos um "olá". Ela estava completamente curvada sobre o braço dele. Mais ou menos um ano depois, estava eu passeando pela RKO com o realizador Nick Ray quando passamos por uma moça que vestia uns jeans apertados e uma blusa de homem atada com um nó por baixo do peito, mostando a barriga. Nick parou o carro e disse: "Quero que conheças esta miúda... ela está passando uns maus momentos com a protagonista de um filme que está sendo sarcastica com ela". À medida que caminhavamos, ele chamou: "Marilyn, quero que vocês se conheçam. Jane, esta é Marilyn Monroe". O cabelo dela era agora loiro. Nick mostrava-se preocupado, atento e protetor.
Eu acredito que a verdadeira qualidade que fazia a Marilyn diferente dos outros - assim chamados simbolos sexuais - era a sua... vunerabilidade. Todos queriam olhar por ela, ajudar. Ela recebeu proteção de todos menos dos insensiveis, ou daqueles que, claro, queriam um mundo adulto sofisticado, onde todos são responsáveis por si, um mundo de humor corrosivo, um mundo de aproveita-tanto-quanto-dás. Eu estava acostumada a esse mundo, mas a Marilyn podia ficar terrivelmente magoada. Ela simplesmente não conseguia compreender que as pessoas fossem más. Era super sensível - e com razão, considerando o seu passado sem direção e o seu futuro incerto. Marilyn tinha uma sede enorme de conhecimento e auto-aperfeiçoamento. Ela adorava poesia e música e era institivamente atraída pela cultura, por todas as artes, mas o dinheiro e o poder não eram para ser obtidos por coersão; especialmente se aplicados a Marilyn. Ela poderia fugir como uma borboleta. Lembro-me de a ouvir dizer: "Se eles não vão ser justos e simpáticos, posso sempre ir-me embora. Posso passar com muito pouco. Aliás, não é nada que não tenha feito antes". Quando começamos a gravar Os Homens Preferem as Loiras ela teve pela primeira vez o seu camarim de "estrela" de primeira, apesar de já ter sido protagonista em filmes anteriores. Ela estava determinada a fazer com que os seus patrões da Fox a levassem a sério. Trabalhava dia e noite ensaiando as danças ou então, quando havia gravações durante o dia, revia o guião à noite com a sua ensaiadora. Eu chegava a casa exausta e pronta para descansar, mas a Marilyn trabalhava pela noite fora. no dia seguinte chegava cerca de uma hora antes de mim. Estava sempre pronta mas não conseguia ir sozinha para o estúdio de gravação Ficava completamente paralizada. Por uns dias reinou uma certa tensão no estudio - não podiamos fazer Howard Hawks esperar sem que ele nos deitasse um olhar frio como aço! Whitey, o seu maquiador, confidenciou no meu camarim que sentia-a com medo de entrar no estúdio - de enfrentar a "fera", como assim era. Assim, a partir daquele momento, eu parava no seu camarim e dizia: "Vamos loiraça, está na hora. Vamo-nos a eles!". Marilyn olhava-me e num murmúrio de mocinha e dizia: "Oh... ok" e lá iamos nós juntas. Todos a achavamos muito cooperativa, doce e divertida, e quando a câmera rolava ela cintilava. Fisicamente, ela parecia não ter ossos... curvava-se em todas as direções... era como carne ondulante... e apesar disso, uma inocencia de criança estava sempre presente. Se alguém lhe levantasse a voz ou fosse muito ríspido, ela chorava - era certo. Os fotógrafos são as mais gentis das criaturas. Eles tiram o melhor dos seus modelos. É a sua obrigação, senão perdem-nos... e a nossa Marilyn respondia-lhes tal como uma flor se abre para o sol..."

Jane Russel, prefácio de Marilyn and the camera

Pin-up do mês de Abril

2008-03-31T09:50:00.014-03:00

Este mês é aniversário da minha pin-up favorita, Bettie Page.

Betty Mae Page nasceu em 22 de abril de 1923, em uma família muito pobre. Seus pais se divorciaram quando ela tinha dez anos e a mandaram para um orfanato com suas duas irmãs, o que não foi tão traumático já que seu pai era alcólatra e sua mãe era muito agressiva. Bettie, em sua adolescência, foi coordenadora do grupo de Arte Dramática da sua escola.

Em 1943, aos vinte anos, casou-se com Billy Neal, e mudaram para San Francisco, lugar onde lhe ofereceram o primeiro trabalho como modelo.
Bettie divorciou-se em 1947 e mudou-se para Coney Island, onde conheceu Jerry Tibbs em 1950. Ele era um fotógrafo amador que fez as primeiras fotos de Bettie como pin-up.

Bettie ficou famosa rapidamente e foi capa de várias publicações populares da época como Eyeful, Beauty Parade ou Wink. Em 1955 recebeu o título de A Miss Pin-up Girl do Mundo (título nunca mais outorgado a ninguém) e em janeiro do mesmo ano converteu-se na Playmate do mês de janeiro da recém nascida revista Playboy, cujo director, Hugh Hefner, se converteu num dos maiores benfeitores de Bettie até os dias atuais.

Os fotógrafos Irving Klaw e Bunny Yeager transformaram-na no maior ícone sadomasoquista já existente. Em 1958, depois de casar-se com Armand Walterson, Bettie desapareceu da vida pública por uma razão ainda hoje desconhecida, alguns dizem que foi por causa do casamento com Walterson outros que foi ameaçada pelo então presidente do Senado Carey Estes Kefauver que era contrário aquele tipo de fotografia feita por Irving Klaw. O que se sabe é que poucos meses após seu casamento com Walterson, Bettie converteu-se numa devota religiosa cristã. Atualmente, não gosta de ser fotografada, a última foi feita em 2003 depois de muita insistência dos fotógrafos. Também não costuma dar muitas entrevistas, uma delas, em 1962, foi o motivo do seu divórcio de Walterson.

Sabemos que a primera pin-up que se tem notícia é Betty Grable, porém Bettie Page com suas caretas e seu lindo sorriso tornou-se a figura associada ao termo pin-up.

Viste o site oficial de Bettie Page: http://www.bettiepage.com/

Mais de Dita

2008-03-20T13:58:00.005-03:00

Considerando que o feriadão se aproxima e muita gente vai ficar sem o que fazer, resolvi deixar aqui um presentinho. Abaixo, algumas das belíssimas fotos de Dita Von Teese.

Uma ótima páscoa e divirtam-se.

Parabéns Dita

2008-03-10T15:04:00.002-03:00

Dita Von Teese, comemorou 15 anos de carreira como uma das strippers mais famosas da Europa. E para celebrar esta data, ela foi a capa da revista "Playboy" espanhola do mês de janeiro.
A legenda das fotos que estampam as páginas internas da publicação falam da carreira da modelo, que começou a fazer ensaios sensuais em 1991 e logo caiu nas graças dos europeus, sendo muito requisitada para fotos nuas e campanhas ousadas.

Pin-up do mês de março

2008-03-05T11:38:00.005-03:00

Ursula Andress (Ostermundigen - Berna), nasceu em 19 de Março de 1936 é uma atriz suíça.
Foi um dos símbolos sexuais das telas nos anos 60, lançada como bond girl no primeiro filme de James Bond, 007 Contra o Satânico Dr. No, e participando de comédias, filmes de aventura e eróticos como Cassino Royale, O Que é Que Há Gatinha?, Sol Vermelho, Ela , entre outros, sempre fazendo papéis sensuais, explorando sua beleza física.
Era amiga próxima do ator James Dean, ele teria convidado para sair de carro no dia em que ele morreu, quando se acidentou com o veículo.
Foi casada com John Derek, entre 1957 e 1966. Tem um filho, Dimitri Alexander Hamlin (nascido em 1980), com Harry Hamlin.

Filmografia Principal:
1962 - Dr. No (007 Contra o Satânico Dr. No) com Sean Connery
1963 - Fun in Acapulco (O Seresteiro de Acapulco) com Elvis Presley
1965 - She (Ela) com John Richardson
1965 - What's New Pussycat? (O Que É que Há Gatinha?) com Peter O'Toole
1965 - La decima vittima (A Décima Vítima) com Marcello Mastroianni
1967 - Casino Royale com Peter Sellers e David Niven
1971 - Soleil Rouge (Sol Vermelho) com Alain Delon e Charles Bronson
1975 - Africa Express com Giuliano Gemma
1978 - La Montagna del Dio Cannibale (A Montanha dos Canibais), com Stacy Keach

Um clássico que vale a pena assistir

2008-02-29T11:10:00.002-03:00

Spartacus

Sinopse: Superprodução de 21 milhões de dólares que Kubrick (Laranja Mecânica) assumiu depois que Anthony Mann (que chegou a iniciar a fita) brigou com o astro-produtor Kirk Douglas. Foi o primeiro filme a dar crédito de roteirista ao então banido Dalton Trumbo, perseguido pelo Macartismo. É uma biografia longa e muito bem realizada da escravo Spartacus (Kirk) que em 73 a.C., lidera uma rebelião de escravos contra a classe dirigente da República Romana. É o mais inteligente, bem escrito e dirigido de todos os superespetáculos épicos de todos os tempos, embora Kubrick tenha se queixado da falta de liberdade e tempo para mexer no roteiro. Fiel aos fatos históricos (embora Spartacus tenha morrido em batalha e não crucificado), o filme narra a trajetória de Spartacus desde quando se tornou líder de 78 escravos que escaparam da escola de gladiadores em Capua, a 130 milhas de Roma, no ano 73 A-C- e suas lutas durante dois anos, no comando de 90 mil homens.Spartacus (Kirk Douglas), um homem que nasceu escravo, labuta para o Império Romano enquanto sonha com o fim da escravidão. Ele, por sua vez, não tem muito com o que sonhar, pois foi condenado à morte por morder um guarda em uma mina na Líbia. Mas seu destino foi mudado por um lanista (negociante e treinador de gladiadores), que o comprou para ser treinado nas artes de combate e se tornar um gladiador. Até que um dia, dois poderosos patrícios chegam de Roma, um com a esposa e o outro com a noiva. As mulheres pedem para serem entretidas com dois combates até à morte e Spartacus é escolhido para enfrentar um gladiador negro, que vence a luta mas se recusa a matar seu opositor, atirando seu tridente contra a tribuna onde estavam os romanos. Este nobre gesto custa a vida do gladiador negro e enfurece Spartacus de tal maneira que ele acaba liderando uma revolta de escravos, que atinge metade da Itália. Inicialmente as legiões romanas subestimaram seus adversários e foram todas massacradas, por homens que não queriam nada de Roma, além de sua própria liberdade. Até que, quando o Senado Romano toma consciência da gravidade da situação, decide reagir com todo o seu poderio militar

Prêmios: Ganhou 4 Oscars: Melhor Ator Coadjuvante (Peter Ustinov), Melhor Fotografia - A Cores, Melhor Direção de Arte - A Cores e Melhor Figurino - A Cores. Foi ainda indicado nas categorias de Melhor Edição e Melhor Trilha Sonora.

Título Original: Spartacus
Gênero: Aventura
Origem/Ano: EUA/1960
Duração: 161 min
Direção: Stanley Kubrick

Moda e surrealismo

2008-02-20T07:58:00.005-03:00

A moda e a arte sempre caminharam juntas para Elsa Schiaparelli, uma italiana de alma francesa, que não criava apenas vestidos, chapéus e acessórios, mas verdadeiras obras de luxo e excentricidade. Suas roupas eram feitas para impressionar, para destacar a mulher que as usava.

Schiap, como era conhecida em Paris, viveu o auge de seu sucesso durante a década de 30. Era amiga dos artistas da época, como Jean Cocteau e Christian Bérard, mas foi com o surrealismo de Salvador Dalí que ela mais se identificou. Chegaram a trabalhar juntos em várias criações, como o chapéu-sapato, a bolsa em forma de telefone, o tailleur com vários bolsos em forma de gaveta e o vestido decorado com uma grande lagosta.
"Quando o vento arranca o chapéu da sua cabeça e o faz voar cada vez mais longe, é preciso correr mais rápido que o vento para alcançá-lo. Eu sempre soube que para construir mais solidamente, às vezes somos obrigados a destruir, a fim de estabelecer uma nova elegância para as maneiras brutais da vida moderna."

A vida em rosa-choque

Seu estilo moderno e excêntrico a fez criar um tom de rosa eletrizante, o qual ela chamou de "shocking", o famoso rosa-choque. Em 1938, Schiap lançou um perfume com o mesmo nome - "Shocking". O frasco foi desenhado pela pintora surrealista Leonor Fini e tinha a forma de um torso feminino. Na verdade, o da atriz Mae West, que encarnava a ousadia do estilo Schiap. O seu livro de memórias, lançado em 1954, também recebeu o nome da sua cor preferida.

O estilo marcante de Elsa Schiaparelli talvez pudesse ser representado pelo seu rosa "Shocking, descrito por Yves Saint-Laurent como: "Uma provocação".

Para Ler

2008-02-18T08:40:00.002-03:00

Roupas Íntimas - O Tecido da Sedução

Ana Rossetti faz um passeio por todas as peças consideradas íntimas ou sensuais, tanto femininas quanto masculinas, contando de forma divertida episódios pessoais e também um pouco da história dessas roupas, além de procurar mostrar o lado psicológico existente no ato de vestir.

"A roupa íntima começa praticamente desde que a pessoa tira o casaco; e isso se tiver alguma coisa por baixo. Este é o ponto de partida de um obra que procura animar a fantasia e despertar o desejo de perscrutar entre as peças para perceber o seu glamour.
"Todas elas exalam erotismo: uma manga ampla, meias deslizando lentamente, uma camiseta solta, um decote insinuante...
"Descubra você também os segredos ocultos nessas pregas tão íntimas e desfrute assim o tecido da sedução".

Autor: Ana Rossetti, Editora: Martins Fontes, Preço: R$ 19,00, em média.

Special Kind

2008-02-14T14:05:00.004-02:00

Aproveito que meu blog é muito bem freqüentado para mostrar minhas bolsas que são feitas com muito carinho.

A maioria delas vêm com chaveiro exclusivo e tem design muito diferente.

Para maiores detalhes http://ic-ilannacavalcante.blogspot.com/ .

Bolsa Square - bolsa grande, com bolso interno e fechamento com botão magnético. R$ 58,90

Bolsa London - bolsa grande, com bolso interno e fechamento com botão magnético. R$ 72,00

Carteira Fun - carteira em veludo, fechamento com botão magnético. R$ 39,00

Bolsa Jungle - bolsa grande, com bolso interno e fechamento com botão magnético. R$ 78,00

Bolsa Fun Box - bolsa grande, com bolso interno e fechamento com zípper. R$68,00

Bolsa Clover - bolsa grande em veludo, com bolso interno e fechamento com botão magnético. R$86,00

Mais uma estampa da bolsa Jungle

O Vencedor da enquete

2008-02-12T11:10:00.000-02:00

Mais sobre a vida e carreira de Christian Dior

nasceu em Granville (cidade portuária da Mancha), na França, no dia 21 de janeiro de 1905. Sua família tinha uma boa situação financeira na época, o que lhe garantiu uma infância e adolescência tranquilas.Apesar de seu interesse em artes, especialmente o desenho, Dior acabou estudando ciências políticas, por influência de seu pai, com a intenção de seguir a carreira diplomática. Entretanto, após terminar o curso, gastou seu tempo viajando pela Europa, até que, em 1927, abriu uma galeria de artes, em sociedade com o amigo Jacques Bonjean. Juntos, chegaram a expor alguns trabalhos de amigos, como Dufy, Christian Bérard e Jean Cocteau.Em 1934, vítima de uma grave doença, Dior não podia contar com o dinheiro de sua família, que, desde 1931, atravessava sérios problemas financeiros.Em 1935, já recuperado, começou a desenhar croquis para o "Figaro Illustre", jornal parisiense que os publicavam semanalmente na seção de alta-costura. Após conseguir vender uma coleção de desenhos de modelos de chapéus, começou a fazer croquis de roupas e acessórios para várias maisons de Paris, até que, em 1938, Christian Dior realmente iniciou sua carreira no universo da alta-costura, como assistente do estilista suíço Robert Piguet (1901-1953). Foi convocado para a guerra, que explodia na Europa, e atuou como soldado do corpo de engenheiros. Em 1941, foi trabalhar na maison do estilista francês Lucien Lelong (1889-1958), onde conheceu aquele que viria a ser um importante estilista, o francês Pierre Balmain (1914-1982).Christian Dior sonhava em ter sua própria maison, o que pôde ser realizado com a ajuda financeira do então poderoso empresário de tecidos, Marcel Boussac, em 1946. O endereço, em Paris, era o número 30, da avenida Montaigne, o mesmo até hoje. Sua primeira coleção foi apresentada no dia 12 de fevereiro de 1947 e causou um verdadeiro estardalhaço entre a imprensa.

Vestido "Cyclone" em tafetá, Christian Dior, da linha Ailée, de 1948

Aquele homem tímido e educado havia criado o eterno "New Look". Surgia aí um mito, Christian Dior, que viria se tornar sinônimo de sofisticação e elegância no luxuoso mundo da alta-costura.
Quando Carmel Snow, redatora da revista americana "Harper's Bazaar", viu os modelos apresentados por Dior, exclamou: "This is a new look!" Desde então, o nome original da coleção, que era "Ligne Corolle" (Linha Corola), se tornou conhecida como "New Look".Em sua primeira coleção, Dior conseguiu mudar todo o conceito de praticidade e simplicidade das roupas femininas, até então uma necessidade dos tempos de guerra e uma tendência da moda criada por Chanel. Após tantos anos de restrições, a mulher necessitava se sentir novamente feminina e ansiava pela elegância e o luxo perdidos.Dior acertou e criou modelos extremamente femininos, luxuosos, sofisticados e elegantes, inspirados na moda da segunda metade do século 19. Os vestidos e saias eram mais longos, o busto mais acentuado, a cintura bem marcada e as saias amplas. Apesar das críticas, com relação a grande quantidade de tecido usado por ele para a confecção de vestidos e saias, ainda num momento díficil para a indústria têxtil, nunca um estilo de roupa chegou tão rápido às ruas. Mulheres de todas as partes do mundo copiaram seus modelos.O modelo que se tornou o símbolo do "New Look" foi o tailleur Bar, um casaquinho de seda bege acinturado, ombros naturais e ampla saia preta plissada quase na altura dos tornozelos. Luvas, sapatos de saltos altos e chapéu completavam o figurino impecável. Com essa imagem de glamour, estava definido o padrão nos anos 50.
Em 1949, Christian Dior já tinha uma casa de prê-à-porter de luxo em Nova York, o perfume "Miss Dior" - lançado em 1947 e um clássico até hoje - e estava pronto para assinar os primeiros contratos de licença com sociedades americanas, o de meias e o de gravatas. A partir de 1950, surgiu um outro tipo de sociedade, incumbida do comércio por atacado e da difusão dos acessórios com o nome da maison Dior.Em sua coleção de 1951, o estilo princesa ficou consolidado como sua marca, mas a novidade foi o uso do terno masculino em roupas femininas. Dior apresentou um tailleur em lã cinza, que expressava todo o conceito de masculinidade, transportado às roupas femininas.Criou a linha H, em 1954, que era a base de toda a coleção, com modelos que erguiam o busto ao máximo e baixavam a cintura até os quadris, criando a barra central da letra H.Também criou modelos luxuosos, com muita seda e tule bordado com incrustações drapeadas, como no vestido de baile "Chambord", que para ele significava o luxo ao redor da cintura, além dos vestidos de tecidos diáfanos, com várias saias sobrepostas e comprimentos variados.A linha Y surgiu em 1955 e mostrava um corpo esguio com a parte superior mais pesada, com golas grandes que se abriam em forma de V e a "Linha A" trouxe vestidos e saias que se abriam a partir do busto ou da cintura para formar os dois lados de um A.Fortes referências da marca CD até hoje, e que ficaram famosas durante os anos 50, são as estolas, as mangas três quartos, além do conjunto em tons pastéis de cardigã, blusa e saia de crepe.Ainda em 1954, Londres ganhou uma sucursal da grife e uma butique foi anexada à maison de Paris. Mais tarde, surgiram echarpes, lenços de seda, luvas, bijuterias e lingeries com a assinatura Christian Dior, além das sucursais em Caracas, Austrália, Chile, México e Cuba.Mulheres famosas usaram suas criações, como as atrizes Brigitte Bardot e Marlene Dietrich, a cantora Edith Piaf e a princesa Grace de Mônaco.Christian Dior morreu em 24 de outubro de 1957, na estação termal Toscana de Montecatini, na Itália, deixando um verdadeiro império do luxo construído, com 28 ateliês e 1.200 empregados.
Durante dez anos, Christian Dior foi o estilista mais cultuado e admirado no mundo da moda, suas criações foram sucesso e seu nome associado a elegância e refinamento.Para assumir a direção de criação da grife, após a morte de seu criador, foi escolhido o então jovem talento Yves Saint-Laurent, que chegou a provocar uma certa controvérsia por ter criado peças pouco tradicionais para a marca, como jaquetas de couro preto e vestidos curtos. Em 1960, Saint-Laurent foi convocado para servir na guerra da Argélia e em 1962, já de volta a Paris, abriu sua própria maison. Seu lugar foi ocupado por Marc Bohan, estilista francês experiente. Seus modelos eram esguios e seus modelos mais influentes foram apresentados em 1966, baseados no filme "Doutor Jivago", com casacos amplos acinturados, vestidos longos e botas. Em 1989, numa tentativa de renovar a marca, o italiano Gianfranco Ferré foi escolhido como o novo nome da Christian Dior. Em sua primeira coleção, ele ganhou o prêmio "Dedal de Ouro", oferecido pela empresa Helena Rubinstein ao melhor estilista de cada temporada. Seu estilo de linhas arquitetônicas e corte seco foi sucesso até 1997, ano em que assumiu o inglês John Galliano, atual designer da grife.Desde 1984, a marca CD é controlada pelo grupo LVMH (Môet-Henessy Louis Vuitton), primeira empresa mundial do comércio de luxo, do engenheiro francês Bernardo Arnault, que também é dona dos perfumes "Miss Dior" e "Poison", ambos da marca CD.

No Brasil, a loja Christian Dior, em São Paulo, é a única da América Latina e foi inaugurada em 1999.

Para ler

2008-02-11T09:36:00.000-02:00

História do Vestuário

O livro conta a história do vestuário desde os povos antigos do Mediterrâneo e Ásia Menor, do período teutônico pré-histórico, Idade Média, Renascimento, Barroco, até os séculos 18 e 19.

Esta obra pretende mostrar através de exemplos práticos o desenvolvimento do vestuário. O autor se deu ao trabalho de tomar como base do seu estudo peças reais de vestimentas que sobreviveram, recorrendo a pinturas, estátuas e outras reproduções unicamente nos casos em que os originais não mais existiam.

Autor: Carl Köhler e Emma von Sichart

Editora: Martins Fontes - R$45,00, em média

Pin-up do mês de fevereiro

2008-02-07T11:07:00.000-02:00

Elisabeth Taylor

Elizabeth Rosamond Taylor, nasceu em Londres, no dia 27 de fevereiro de 1932. Filha de um comerciante de arte e uma jovem atriz . Elizabeth só foi morar nos Estados Unidos, em 1939, por causa da ameaça de guerra que chegou a Inglaterra. A família Taylor foi para Los Angeles, Califórnia. Várias pessoas reparando a beleza de Elizabeth, que tinha pele de alabastro, olhos violetas e cabelos negros, falavam para sua mãe Sara procurar estúdios para tentar colocar Elizabeth no cinema. O resultado é conhecido por todos. Elizabeth começou trabalhando na Universal, em um filme chamado There's One Born Every Minute (1942) quando tinha dez anos. Mais o contrato com a Universal não durou muito. O diretor responsável pelo elenco, achava que ela tinha "olhos velhos e não tinha expressão de criança." E o contrato não foi renovado. Mais um ano depois, Elizabeth fez um teste para MGM e ganhou um pequeno papel no filme A Força do Coração (1942), o primeiro da série de filmes sobre a cadela Lassie. Onde passou a ficar conhecida. Fez outros filmes no seu longo contrato com a MGM, mais só passou a demonstrar realmente que amadurecera depois de filme O príncipe Encantado (1948), aos 16 anos. Depois veio Um Lugar ao Sol (1949), durante as filmagens Elizabeth se apaixonou pelo seu par romântico Montgomery Clift, mais o astro que era homossexual, não queria um romance, mais viria a ser o seu amigo mais íntimo, até sua morte em 1966. Os sentimentos de amor de Elizabeth por ele era tão mesclados de culpa, recriminação e remorso que, mesmo depois que ele estava morto há anos, ela não era capaz de falar a seu respeito sem chorar. A longa coleção de maridos de Elizabeth começou a ser montada quando ela tinha 18 anos, e o escolhido foi o rico herdeiro de uma cadeia de hotéis, Conrad Nicholson Hilton Junior, aliás Nicky. Durou sete meses. Ele preferia jogar e se divertir com os amigos, a ficar com Elizabeth. Veio em seguida o maduro e fleumático ator inglês Michael Wilding, que resistiu cinco anos, e que deu a oportunidade de Elizabeth ter dois filhos. Outro milionário. Mike Todd, o primeiro grande amor da vida de Elizabeth, morreu num acidente aéreo antes de completar um ano de casado. Todd foi sucedido por Eddie Fisher, um cantor , viciado em drogas, responsável pelo maior escândalo da vida sentimental de Liz: era marido de sua grande amiga Debbie Reynolds e melhor amigo do seu falecido marido. Na época foi um grande escândalo em Hollywood. Elizabeth foi chamada de destruidora de lares e viúva negra. Mais, o escandâlo foi superado e o casamento não durou muito, claro. Foi atropelado por Richard Burton, o segunda grande amor de sua vida, que valeu dois casamentos e dois divórcios. Eles se conheceram durante as filmagens de Cleópatra (1963). Onde recebeu a inédita quantia de um milhão de dólares, por um único filme. Falam que quando viu Elizabeth pela primeira vez, durante as filmagens de Cleópatra passou-lhe uma cantada. "Ela acabou de comer um sanduíche rápido, passou a mão nos cabelos, piscou os olhos carregados de maquilagem e preparava-se para voltar ao estúdio, quando sentiu que alguém a observava. Levantou o rosto e achou engraçados aqueles dois olhos enormes, que examinavam suas roupas, seu rosto, suas mãos. De repente, ele falou: "Não me ocorre nada melhor para dizer, sabe? Mais quero que saiba que é uma mulher muito bonita." - "Foi uma frase muito banal para quem se diz um intelectual", Liz comentou mais tarde, na sala de maquiagem. Mas foi assim, dessa forma banal, que ela conheceu Richard Burton – e com ele iniciou um romance tempestuoso, que os manteria permanentemente nos jornais e revistas nos quinze anos seguintes. Com Burton, um dos mais perfeitos intérpretes de Shakespeare, Liz cresceu como artista e como mulher. Foi ao lado dele que ela conquistou seu segundo Oscar, pelo filme Quem Tem Medo de Virgínia Woolf? (1966), onde representava uma mulher madura, chata, desarrumada, despenteada, dada à bebida, diferente daquela beleza bem-comportada de Butterfield 8 (1960). E, no entanto, mais uma vez Elizabeth Taylor estava representando Elizabeth Taylor na tela. Finalmente, pintou o fazendeiro e político de seu segundo time John Warner, em 1976. Elizabeth se divorciou de Warner em 1981. Foi a época em que Liz engordou 30 quilos. Mais em 1985, após várias dietas, Liz voltou ao seu peso de juventude, 55 quilos. Em 1991, Elizabeth tentou mais uma vez com um caminhoneiro Larry Forstensky. Quando chocou ao mundo ao anúnciar seu oitavo casamento, aos 59 anos. Mais outro divórcio, com ela alegando diferenças irreconciliáveis. Jurando nunca mais se casar novamente. Foram esses os maridos, de papel passado. Amantes e namorados fazem uma lista à parte, talvez infinita. Quando estava chegando aos 40 anos Liz declarou: "A felicidade se resume em colecionar amores..." Naquela ocasião, estava no quinto marido, Burton. E, se isso é verdade, ninguém como ela, pode ser considerada uma pessoa feliz. Mas vamos devagar com essa felicidade. A vida de Elizabeth Taylor não foi apenas uma sucessão de alegrias e divertimentos, muito menos de frivolidades. Fazendo seu primeiro filme aos 12 anos, mal chegada da Inglaterra, onde nascera, para fugir dos horrores da guerra, Liz caiu do cavalo e machucou a espinha, o que a obrigou a tomar aspirinas e fortes analgésicos a vida toda, para livrar-se das dores. Durante as filmagens de Cleópatra pegou uma pneumonia dupla que quase a matou. Onde tiveram que fazer uma traqueotomia para poder salvá-la. Quatro vezes esteve desenganada pelos médicos, e sobreviveu. Sucumbiu ao álcool e às drogas, e conseguiu recuperar-se. E nunca procurou esconder seus problemas de ninguém. Ao sair de uma clínica, em 1984, declarou francamente aos jornalistas: "Eu era uma bêbada. Bêbada, eu sei, é uma palavra muito dura, mas tenho que ser dura comigo mesma para enfrentá-la. Um bêbado é alguém que bebe demais. Alguém que toma pílula demais é um drogado. Não há um modo elegante de dizer isso. Tive que reconhecer essa verdade." Liz tem quatro filhos: Michael Wildind Jr, Cristopher Wildind, Liza Todd e Maria (que ela adotou com Burton na época de Cleópatra). Em fevereiro de 1997, Elizabeth fez o seu check-up anual, onde mostrou a existência de um tumor benigno em seu cérebro. O tumor era do tamanho de uma laranja e os médicos marcaram a cirurgia para dali a duas semanas. Após o choque inicial com a notícia, Elizabeth Taylor passou a sentir medo de morrer ou ficar paralisada em conseqüencia da extração do tumor. Mas como sempre acontece, Liz tomou conta da situação e, com sua habitual autoconfiança, declarou que não importava qual fosse o resultado da cirurgia, ela tinha vivido uma grande vida. Adiantou a festa do seu 65º aniversário do dia 27 para o dia 16. Centenas de celebridades compareceram ao Teatro Hollywood Pantage para mostrar sua afeição e solidariedade. Como parte das comemorações, a cidade de Los Angeles mudou o nome de uma rua que cruza o Hollywood Boulevard para Passagem Elizabeth Taylor. Mais a recuperação foi simples e sem qualquer complicação séria. Para a cirurgia, Elizabeth teve que raspar a cabeça e posou para a capa da revista Paris Match careca e com uma cicatriz de 7 centímetros no crânio. Atualmente Elizabeth, tem se engajado em campanhas na luta pela prevenção da AIDS e participado de eventos no qual tem feito suas aparições públicas.

FILMOGRAFIA

1994-The Flintstones - O filme - The Flintstones

1989-Doce pássaro da juventude - Sweet bird of youth

1988-Young Toscanini

1983-Montgomery Cliff

1981-Genocide

1980-A maldição do espelho - The Mirror crack'd

1979-Morte no inverno - Winter kills

1977-A light night music

1976-The Blue bird

1974-That's entertainment!

1974-The Driver's seat

1973-Night watch

1973-Meu corpo em tuas mãos - Ash Wednesday

1973-Under milk wood

1972-X, Y e Z - Zee and Co.

1972-Hammersmith is out

1970-Jogo de paixões - The Only game in town

1968-Secret ceremony

1968-Boom

1967-O pecado de todos nós - Reflections in a golden eye

1967-A megera domada - La bisbetica domata

1967-The Comedians

1967-Doctor Faustus

1966-Quem tem medo de Virgina Woolf? - Who afraid of Virginia Woolf?

1965-The Love goddesses

1965-Adeus às ilusões - The Sandpiper

1965-The Big sur

1963-Gente muito importante - The V.I.P.s

1963-Cleópatra - Cleopatra

1960-Disque Butterfield 8 - Butterfield 8

1960 - Scent of a mystery 1

1959 - De repente, no último verão Suddenly, last summer

1958 - Gata em teto de zinco quente Cat in a hot tin roof

1957 - A árvore da vida - Raintree county

1956 - Assim caminha a humanidade - Giant

1954 - A última vez que vi Paris - The Last time I saw Paris

1954 - No caminho dos elefantes - Elephant walk

1954 - Rhapsody

1954 - Beau Brummell

1953 - The Girls who had everything

1952 - Love is better than ever

1952 - Ivanhoé, o vingador do rei - Ivanhoe

1951 - Callaway went thataway

1951 - Um lugar ao sol - A place in the sun

1951 - O netinho do papaiFather's little dividend

1951 - Quo Vadis?

1950 - O pai da noiva - Father of the bridge

1950 - The Big hangover

1949 - Quatro destinos - Little women

1949 - Conspirator

1948 - A date with Judy

1948 - Julia Misbehaves

1947 - Nossa vida com papai - Life with father

1947 - Cynthia 1946 - Courage of Lassie

1944 - A mocidade é assim mesmo - National velvet

1944 - The White cliffs of Dover

1944 - Jane Eyre

1943 - Lassie - Lassie come home

1942 - There's.

A CONQUISTA DE HOLLYWOOD PELO FILME FALADO

2008-01-30T10:29:00.000-02:00

Neste texto foi mantida a grafia original

O filme falado operou uma grande revolução na industria cinematographica norte-americana; o filme falado substituiu completamente o filme mudo. Em Hollywood trabalha-se noite e dia na producção de "talkies". Todo os estudios foram equipados para esse fim, salvo um: o de Charlie Chaplin. Charlie é o ultimo baluarte da arte muda. Recusa-se a admittir o "écran" sonóro reclamado pela universidade do publico americano e até o presente, pelo menos, passa o máu humor não produzindo nada.

Formidaveis capitaes foram investidos nessa innovação; o mais curioso é que as mais importantes firmas cinematographicas passaram ao controle das grandes sociedades de electricidade. Estas tem tanto interesse pelo cinema como pela arte. Consideram-nas no mesmo ponto de vista em que se collocam quando se trata da fabricação de cabos electricos, de apparelhos frigorificos ou de vibradores para massagem. Para ellas o filme não é senão um objecto como um outro qualquer a ser manufacturado em melhores condições para melhor proveito commercial. Ora, não ha mais margem para lucros fóra do filme sonóro nos Estados Unidos. Ha vinte e cinco annos o publico pagava para vêr na téla as imagens animadas, sem se preoccupar com a sua qualidade. Hoje, exige que o "écran" fale e cante, sem se deter nas censuras de Carlitos e nas que certos criticos cinematographicos dirigem ao filme falado, accusando-o de destruir a verdadeira arte do cinema.

Novas figuras fizeram a sua apparição em Hollywood. Foram os technicos da industria electrica, na maioria jovens, sahidos ha pouco das universidades e dos laboratorios, e que, até o anno ultimo não haviam posto os pés num estudio. Da noite para o dia tornaram-se mestres e todos devem obediencia à sua autoridade. Esta incursão não se fez sem choques. O antigo pessoal que tinha os seus habitos e as suas tradicções, oppoz a principio a sua má vontade e a força inercia a estes novos, cuja experiencia contestavam. Mas os directores actuaes dos estudios se propuzeram a despedir summariamente a quem quer que se oppuzesse à livre manifestação das idéas e das empresas desses jovens technicos de electricidade.Tambem os estudios, por sua vez, mudaram completamente. Uma disciplina meticulosa e absoluta substituiu o amavel "deixa correr o marfim" dos velhos tempos. Tornaram-se como que o templo de uma nova divindade: o silencio. Foi proscripto de maneira implacavel, o irreconciliavel inimigo do registro sonoro: o ruido, que não se tolera de maneira alguma. As paredes são calafetadas, todas as portas munidas de amortecedores do som. Quando se illumina a lampada vermelha que annuncia a todos o inicio da filmagem de uma scena falada um guarda, com sandalias de feltro, aferrolha todas as communicações e mesmo um "ukase" do tzar do cinema americano, Will Hays, não lhes póde determinar, nessa occasião abertura. Aliás, visitante algum é admittido. Tudo assume um ar de mysterio e de segredo. "Metteursen-scene", actores, operadores, machinistas, ficam postados no seu lugar não ousando trocar uma unica palavra e procurando evitar, a todo o transe, uma tosse, qualquer ou uma contracção nervosa, cujo ruido não deixaria de impressionar o ouvido sensivel do microphone temido.Não ha mais o rumor dos ventiladores que renovavam o ar acculinado, ou das orchestras de jazz que distrahiam ou estimulavam o trabalho. Foi preciso sacrificar um milhão de dollares de lampadas a carvão por causa do seu ruido quando accesas. Foram substituidas por lampadas de incandescencia que são silenciosas mas que aquecem infernalmente a atmosphera e transformam os studios num forno. Para supprimir o ruido da camera foram estudados diversos meios. O que se emprega, geralmente, hoje em dia, consiste em encerrar camera e operadores em uma cabine hermeticamente fechada, munida de um espesso vidro, através do qual se effectua a tomada de vistas. As portas são fechadas exteriormente, de maneira que os operadores não as possam abrir para tomar um pouco de ar. Para impedir que succumbam à asphyxia, quando o seu trabalho se prolonga o ar lhes é transmittido por meio de um tubo. Para a tomada de vistas exteriores estas precauções são menos necessarias e a camera fica ao ar livre. O perigo a evitar ahi é o da explosão dos motores de automoveis passando nos arredores, ou de um aeroplano cortando o ar.

O director da tomada de vistas, que dominava outróra no studio como director absoluto, tem actualmente acima delle alguem a cujas ordens deve obediencia: o chefe do registro sonóro ou como se chama o "Controleur do som" ("controler of sound"). "Acima delle" é uma expressão concreta e não uma simples figura. Este "controleur" está com effeito fechado numa especie de cabine de piloto, collocada na parte superior do estudio. A cabine é calafetada e as suas largas paredes são constituidas por cinco espessuras de vidro.

Com um receptor telephonico no ouvido, o "controleur" ouve pelo fio os sons e os ruidos que serão registrados pelo microphone. Sempre com auxilio do telephone elle regula a natureza e a intensidade, dando aos "metteurs-en-scéne" a permissão para movimentar ou interromper o registro e a tomada de vistas. Alguns instantes depois da scena ter sido fixada, ella é projectada deante de todo o pessoal do estudio, reunido em assembléa, afim de constatar se o registro foi bom ou se é preciso recomeçar. É o que se chama o "play back".

O "talking" não dá margem a improvizações de quaesquer especies. Tudo deve ser previsto com antecipação: o scenario, o texto, os ruidos. Do mesmo modo não é mais possivel, em face da synchronização sonóra, rodar varias vezes a mesma scena para obter os differentes planos. É-se obrigado a registrar ao mesmo tempo os "long shots", os medium shots" e os "close ups", quer dizer os planos geraes, os planos medios e os grandes planos.

Chega-se a esse resultado por meio de objectivas com cameras differentes. Ou ainda dispondo-as em differentes partes do estudo e rodando sob angulos diversos, Ha, às vezes, quinze! Mas como estas cameras são fechadas nas cabines, ellas não têm a mobilidade de que beneficiavam os filmes mudos e não se pode locomovel-as tão facilmente, o que necessariamente dá ao filme alguma monotonia.

De um modo geral, a photographia dos "talkies" é menos perfeita do que a dos filmes mudos. É preciso dizer além disso que ao publico americano o que interessa principalmente é a novidade sonóra. Assim os "talkies" são confeccionados com maior rapidez do que os antigos filmes: primeiramente porque não se perde tempo recomeçando cinco ou seis vezes a mesma scena sob o pretexto de que a estrella não appareceu vantajosamente no grande plano; em seguida porque a "mise-en-scene" é menos complicada e menos variada; enfim porque as partes faladas consomem, sózinhas, uma longa metragem. Se se puzerem de parte as despesas de amortização do material que são formidaveis, o filme sonóro torna-se menos caro do que o filme mudo e se póde produzir com vantagem. Póde-se ser que, quando o filme falado tiver perdido a sua attracção de ineditismo o publico se mostre mais exigente quanto ao assumpto; mas tambem o periodo dos primeiros titubeios passou e a experiencia adquirida permittirá melhorar uma producção ainda defeituosa. Uma consequencia fatal do filme falado foi modificar a escala dos valores dos artistas. As qualidades photogenicas tornaram-se, senão secundarias, pelo menos insufficientes. É assim que, por exemplo, as famosas "Bathing Beauties" de Mack Sennet, as banhistas, cuja plastica impeccavel fez a fortuna de tantos filmes, tiveram em sua maior parte de renunciar ao cinema, porque ellas não sabiam cantar. Hoje, não resta senão a pequena Thelma Hill, que soube resistir às exigencias do microphone. As proprias "girls", que outróra eram simples figurantes, são agora obrigadas à posse de um minimum de talento vocal, e foram instituidos para sua aprendizagem, cursos de canto nos estudios.A principio suppoz-se que as artistas e os actores de theatro seriam os mais aptos para os "talkies" e uma verdadeira multidão desses elementos se precipitou dos theatros de Nova York para Hollywood com esse objectivo. Mas o publico cinematographico se mostrou refractario à dicção emphatica desses profissionaes.
Na hora actual, são as antigas vedettas de cinema que encontram o favor perdido. Estudaram dicção e canto e retomam, por isso progressivamente o seu lugar nos estudios.Um dos problemas mais graves que affligem o filme falado, é o dos mercados estrangeiros. Houve inicialmente tão intensa procura dentro dos Estados Unidos, que os americanos não se preoccupam com a exploração possivel em outros paizes como a Allemanha, a França, a America do Sul. Mas conhecidas como são as despesas formidaveis das copias em outros idiomas, além da sua imperfeição, é no proprio filme sonóro que estará a felicidade completa, e ampla prosperidade das cinematographias de cada paiz.

Publicado na Folha da Manhã, domingo, 30 de julho de 1933

Para ler

2008-01-28T10:51:00.000-02:00

"O Pano do Diabo - Uma história das listras e dos tecidos listrados"

"O Pano do Diabo - Uma história das listras e dos tecidos listrados" - Autor: Michel Pastoureau - Editora: Jorge Zahar - Preço: R$ 17,00, em média

"O Pano do Diabo" é uma viagem no tempo que busca desvendar o significado das listras nas vestimentas da sociedade ocidental. Talvez você nunca tenha se perguntado o motivo pelo qual a roupa dos presidiários tenham sido listradas, assim como a dos loucos e doentes contagiosos. Seria uma forma de diferenciar os que estavam à margem da sociedade?

As listras de alguma forma também foram relacionadas ao mar, nas roupas dos marinheiros e nos trajes para banhos de mar. O esporte, em geral, também se apoderou delas, seja nos uniformes ou em símbolos de marcas famosas. Essas e outras questões são analisadas pelo autor em um livro sucinto, mas muito interessante.

Para Assistir

2008-01-24T14:24:00.000-02:00

Palavras ao Vento

Título Original: Written on the wind

Direção: Douglas Sirk
Roteiro: George Zuckerman
Produção: Albert Zugsmith
Música Original: Victor Young, Frank Skinner
Fotografia: Russell Metty
Edição: Russell F. Schongarth
Direção de Arte: Robert Clatworthy, Alexander Golitzen
Figurino: Bill Thomas
Efeitos Sonoros: Robert Pritchard, Leslie I. Carey
País: USA
Gênero: Drama
Nota: 7,6
Prêmios: Academia de Hollywood - Oscar de Melhor Atriz Coadjuvante (Dorothy Malone)
Indicações: Academia de Hollywood - Indicado aos Oscars de Melhor Ator Coadjuvante (Robert Stack) e de Melhor Canção (Written on the wind)
Globo de Ouro - Indicado ao Prêmio de Melhor Atriz Coadjuvante (Dorothy Malone)

Baseado no livro de Robert Wilder, "Palavras ao Vento" é um dos ótimos dramas dos anos 50. Realizado pelo grande cineasta Douglas Sirk, o filme fala de temas como alcoolismo, impotência e ninfomania dentro de uma abastada família do ramo do petróleo.
A direção de Sirk é consistentemente muito boa. A fotografia de Russell Metty e a música de Victor Young são dois pontos altos do filme.
No elenco, o maior destaque fica por conta da atuação de Dorothy Malone, no papel de uma jovem ninfomaníaca, por ter sido rejeitada pelo seu grande amor de infância. Robert Stack também apresenta uma ótima interpretação no papel de um rico playboy que vive a se embebedar.

Sinopse
Mitch Wayne e Kyle Hadley, filho playboy de um magnata do petróleo, são grandes amigos desde a infância. A irmã de Kyle, Marylee, sempre manteve a esperança de, um dia, casar-se com Mitch, mas este sempre a tratou como se ela fosse uma irmã.
Mitch e Kyle apaixonam-se pela mesma jovem, Lucy Moore, mas esta termina casando-se com Kyle, antes mesmo de Mitch expressar seus sentimentos para com ela.
Após o casamento, Kyle, que sempre bebeu muito, consegue passar um ano sem tocar em bebida e a se comportar de forma mais responsável, até descobrir que ele pode ser estéril. Maliciosamente, Marylee sugere-lhe que Lucy e Mitch são amantes, e quando Lucy aparece grávida, o bêbado Kyle acusa Mitch de ser o pai da criança.
Perturbado, corre até seu Bar preferido para se embebedar mais uma vez. Embriagado, retorna à sua mansão, onde, depois de acusar sua esposa de ter engravidado de seu melhor amigo, a espanca com violência. Em seguida, desce até a biblioteca onde começa a destruir tudo.
Mitch socorre Lucy e telefona para o Dr. Paul Cochrane, informando-lhe o ocorrido. Este chega em seguida, examina Lucy e constata que ela acabara de sofrer um aborto espontâneo.
Mitch vai até a biblioteca tentar convencer Kyle de que nunca encostou um dedo em sua esposa. Este, embriagado, não acredita no velho amigo de infância e saca um revólver. Quando vai atingi-lo, sua irmã, Marylee, se atraca com ele e, acidentalmente, a arma dispara, ferindo-o mortalmente.
Marylee tenta chantagear Mitch, alegando que pode testemunhar contra ele, a não ser que aceite se casar com ela. Ele rejeita a ameaça e lhe pede para que desista de ter qualquer tipo de esperança em relação a ele, que tem por ela um amor de irmão.
O caso da morte de Kyle vai a julgamento, tendo Mitch como principal suspeito. Depois de serem ouvidas várias testemunhas, chega a vez de Marylee ser inquirida. Ao contrário das ameaças feitas a Mitch, Marylee conta exatamente o que de fato ocorreu.
Livre da acusação, Mitch deixa a mansão dos Hadley em companhia de Lucy.

Ver trecho

Para anotar no caderninho!

2008-01-22T16:33:00.000-02:00

Frases de Chanel

"Sou contra uma moda que não dure. É o meu lado masculino. Não consigo imaginar que se jogue uma roupa fora, só porque é primavera."

"Uma mulher vestida de claro raramente fica de mau-humor."

"A natureza nos dá o rosto dos 20 anos. A vida modela o dos 30. Mas temos que merecer o rosto dos 50."

"Aos 50 anos a mulher é responsável por seu rosto. Ninguém é jovem aos 50. Costumo dizer aos homens: acham que ficam mais bonitos carecas?"

"Sou a última do meu gênero. Não terei sucessores. Espero apenas que o meu exemplo não seja esquecido muito depressa".

"A roupa deve ser, antes de tudo, cômoda e prática. É a roupa que deve adaptar-se ao corpo e não o corpo que deve deformar-se para adaptar-se à roupa".

"A moda, como a arquitetura, é uma questão de proporções".

"As roupas velhas são como velhos amigos. Nós os conservamos. Gosto de roupas como gosto de livros: para pegar, mexer nelas."

"Os homens que querem se fazer notar pelas roupas são uns cretinos. As mulheres podem sobreviver a quase todas as formas de ridículo; um homem ridículo está perdido, a menos que seja gênio."

Requinte e simplicidade

2008-01-16T11:08:00.000-02:00

A extrema elegância sempre foi a principal marca das criações clássicas de Hubert de Givenchy, um francês reconhecido mundialmente por seu trabalho coerente e requintado.

Givenchy se aposentou em 1995 e não mais participa do mundo da moda. O atual responsável pela criação da marca é o inglês Julien Macdonald, que veio substituir Alexander MacQueen, desde março de 2001.

"Para os que se preocupam com qualidade, o prestígio é a coisa mais importante. Acredito sempre na alta-costura e desejo que ela dure até o fim da minha carreira. Sempre a defendi, com a perfeição que ela implica. Não há duas maneiras de se exercer a profissão. Sucesso não é prestígio. O sucesso é passageiro, o prestígio é outro assunto. Ele persiste depois da gente. É preciso trabalhar para não ter trabalhado em vão." Givenchy

Audrey Hepburn usa modelo de Givenchy em cena do filme "Bonequinha de Luxo", de 1961

"Bonequinha de Luxo"A atriz Audrey Hepburn (1929-93) traduzia o ideal de elegância e glamour que Givenchy queria para suas roupas. Era a mulher perfeita para vestir suas criações, sempre impecavelmente bem proporcionadas."Eu trabalho mais sobre modelos vivos que com manequins de madeira. Os manequins vivos são fonte de inspiração. Audrey Hepburn encarnou, para mim, um ideal feminino, por suas proporções e também por sua imagem."O guarda-roupa criado por ele, que vestiu Hepburn, para o filme "Bonequinha de Luxo", de 1961, se tornou exemplo de sofisticação clássica, com seus vestidos pretos e formas limpas.

Em 1998, numa edição comemorativa limitada, a Barbie, boneca mais vendida no mundo, foi vestida com o famoso vestido preto longo do filme "Bonequinha de Luxo".

Chanel

2008-01-15T11:09:00.000-02:00

Com estilo e elegância, Gabrielle "Coco" Chanel revolucionou a década de 20, libertando a mulher dos trajes desconfortáveis e rígidos do final do século 19. Um verdadeiro mito, Chanel reproduziu sua própria imagem, a mulher do século 20, independente, bem-sucedida, com personalidade e estilo.

O estilista alemão Karl Lagerfeld é, desde 1983, o diretor de criação da marca Chanel, tanto para a linha de alta-costura quanto para a de prêt-à-porter. O estilo clássico criado por mademoiselle, revitalizado por Lagerfeld, atravessou o século 20 e se tornou atemporal.

"Eu criei um estilo para um mundo inteiro.Vê-se em todas as lojas "estilo Chanel". Não há nada que se assemelhe. Sou escrava do meu estilo. Um estilo não sai da moda; Chanel não sai da moda."

Símbolo de status A bolsa com alças de corrente dourada, o colar de pérolas, o tailleur e o vestido preto são os símbolos de elegância e status que marcaram para sempre a história da moda. Mas foi o seu perfume, o Chanel nº 5 - tido como o mais vendido no mundo -, que a tornou milionária.O perfume foi criado em 1921 por Ernest Beaux a pedido de Gabrielle Chanel, que sugeriu: "Um perfume de mulher com cheiro de mulher". Dentro de um frasco art déco - que foi incorporado à coleção permanente do Museu de Arte Moderna de Nova York em 1959 -, o Chanel nº 5 foi o primeiro perfume sintético a levar o nome de um estilista.

Atitude pin-up

2008-01-14T10:22:00.000-02:00

O conceito das garotas pin-up era bastante claro: eram sensuais e ao mesmo tempo inocentes. A verdadeira pin-up jamais poderia ser vulgar ou oferecida, apenas convidativa. Asseguradas pelos traços sofisticados vindos da art-nouveau, elas vestiam peças de roupa que deixavam sutilmente à mostra suntuosas pernas e definidas cinturas. Era o bastante para alimentar a fantasia dos marmanjos.
Das ilustrações de papel, as pin-ups logo ganharam vida ao serem encarnadas por atrizes como Betty Grable e Marilyn Monroe, ou fotografadas por modelos voluptuosas como Bettie Page, também chamada de rainha das curvas . Vestidas de coristas, marinheiras, enfermeiras e outros uniformes-fetiches, que por vezes incluíam muito couro e tiras, as pin-ups de carne e osso fizeram tremendo sucesso em revistas como a americana Esquire e filmes como o Pin Up Girl , de H. Bruce Humberstone, estrelado por Grable. Elas também garantiram a apreciação de uma beleza e de um corpo feminino possível a outras mulheres, além do reconhecimento mundial do estilo pin-up de encarar a sexualidade com naturalidade e bom humor.
E se a partir dos anos 70, a indústria do sexo passou a desmanchar a aura misteriosa dessas mulheres, graças a filmes pornográficos e revistas de nu feminino, o erotismo não-explícito encontra lugar no século 21. Rock, glamour e internet agora se misturam na vida das pin-ups modernas.

Pin-up do mês de Janeiro

2008-01-10T16:17:00.000-02:00

Dorothy Malone nasceu em Chicago, Illinois, USA, em 30/01/1925. Em 1956 foi indicada para o Golden Globe e para o Oscar pela sua atuação em Palavras ao Vento (Written with the Wind). Não ganhou o Globo de Ouro, mas ficou com o Oscar como melhor atriz coadjuvante pelo seu trabalho naquele mesmo filme, ao lado de Rock Hudson, Lauren Bacall e Robert Stack. Fez muito sucesso na série de televisão A Caldeira do Diabo (1965) (Peyton Place), ocasião em que teve de ser substituída temporariamente pela atriz Lola Albright, por causa de um sério problema de saúde. Dorothy casou-se com Jacques Bergerac em junho de 1959 e tiveram duas filhas. Em dezembro de 1964, num divórcio tumultuado, separou-se de Jacques acusando-o de casar-se com atrizes famosas apenas para se promover. Bergerac fora casado anteriormente com Ginger Rogers.

Filmografia:

Instinto Selvagem (1992)
O Destino é o Caçador (1964), Lisa Bond
O Grande Naufrágio (1960), Laurie Henderson
O Homem das Mil Caras (1957)
Palavras ao Vento (1956)
Artistas e Modelos (1955)
Qual Será o Nosso Amanhã? (1955)
A Canção Inesquecível (1946)
À Beira do Abismo (1946)
Step Lively (1944)
Um Sonho em Hollywood (1944), Dorothy Malone - Recepcionista (não creditada)
Higher and Higher (1943)

Ela está sempre na moda

2008-01-09T09:50:00.000-02:00

Nunca um brinquedo refletiu tão bem o comportamento de uma época quanto a quarentona Barbie, uma boneca que acompanhou todas as mudanças dessas últimas quatro décadas. Ela é rica, bonita, famosa, inteligente e está sempre na moda. Tem o namorado perfeito e muitos amigos que a adoram. O mundo Barbie é cor-de-rosa, feito de sonhos e fantasia, onde tudo é possível. É o que garante o slogan "be anything". A Barbie é um sucesso absoluto, tanto em vendas [é a boneca mais vendida no mundo. São 120 milhões de exemplares a cada ano, o que significa que duas Barbies são vendidas por segundo] quanto em popularidade [ela é a queridinha de crianças e adultos de todo lugar].

Foi Ruth Handler, esposa de Elliot Handler [fundador da empresa norte-americana Mattel] quem teve a idéia de fabricar uma boneca adulta, que até então só existia em papel [na verdade, a boneca alemã Lili, feita de celulóide, é anterior à Barbie e pode ter inspirado Ruth Handler]. Mãe de três filhos, Ken, Skipper e Barbara, ela não teve dúvida quanto ao nome da nova boneca: Barbie, o diminutivo de Barbara. Mais tarde, Ken viria ser seu namorado e Skipper sua irmã-boneca.
Encomendada ao designer Jack Ryan, em 1958, ela foi lançada oficialmente na Feira Anual de Brinquedos de Nova York, em 9 de março de 1959. Barbie foi apresentada como uma modelo teenager vestida na última moda. Aliás, a imagem da boneca sempre foi a de uma top model, símbolo de sucesso, beleza e juventude.
Loura e vestida com um maiô listrado em preto e branco, a boneca nasceu com o corpo de manequim, longas pernas e cintura fina, as medidas perfeitas para os seus 29 cm de altura.Ela já trazia modelos de roupas e acessórios que podiam ser trocados, ou seja, tudo o que pudesse identificar o universo jovem dos final dos anos 50: vestidos rodados, calças cigarrete, luvas e até um modelito para ir ao trabalho como designer de moda (1960).
A moda dos últimos 40 anos pode ser contada através da Barbie e sua coleção de estilos e modelos. Sempre na última moda, ela reflete as mudanças do mundo feminino. Em 1961, ela ganhou um namorado, o Ken, que tinha o tipo do ator de cinema Troy Donahue. Ken também sempre acompanhou a moda da época, munido de vários modelos e acessórios, além de variar o corte do cabelo de acordo com o último estilo jovem.
Os anos 60 corriam e a Barbie era a típica garota americana, com seu twin-set de lã e faixas no cabelo [perucas que vinham em três cores: loura, castanha e ruiva]. Em 1962, se vestiu de Jacqueline Kennedy, exemplo de elegância e bom gosto, com o famoso tailleur cor-de-rosa. O desenvolvimento de uma cultura genuinamente jovem, as mudanças na moda, música e estilo de vida chegaram até ela. Surgiu Twiggy, em 1967, vestida de tubinho mini [claro] e botas amarelas, no melhor estilo londrino da época, moderna e divertida. Em 1965, ela ganhou pernas flexíveis e, em 1968, seu rosto ganhou um aspecto ainda mais jovem, com longos cílios e olhos azuis. Fechando a década, roupas floridas, estampas psicodélicas, grandes óculos e uma nova amiga, a primeira boneca negra, Christie (1969).
Durante os anos 70, assim como a juventude da época, Barbie acreditava na paz universal, fazendo música e explorando formas alternativas de viver. As minis, viraram midis e maxis. Os cabelos cresceram e o visual se tornou hippie. Em 72, ela ganhou um trailer, passaporte para uma vida mais próxima à natureza, com suas saias de retalhos e vestidos românticos estilo Laura Ashley.
Também havia o estilo Malibu (71), de pele bronzeada, cabelos louros bem claros e pronta para surfar.
Com o sucesso da onda disco, Ken ganhou uma versão John Travolta [no filme "Embalos de Sábado à Noite"]. O casal encarnou várias celebridades da época, sempre com muito brilho e sucesso, a bordo de seu novo carro - um modelo rosa-choque esportivo.
Os anos 80 foram marcados pelo glamour e mistura de proporções das roupas. Barbie apareceu em versão seriado Dallas, com cabelo estilo Farrah Fawcet, tudo com muito glitter e lábios vermelhos. Mangas bufantes e blusas transparentes faziam parte do figurino. Em 1982, a maquiagem virou item obrigatório e já fazia parte dos acessórios da boneca.
A mania fitness da década, o estilo alegre das roupas, a mulher de negócios, o glamour dos modelos de festa, os símbolos pop da época, como Madona e Whitney Houston, tudo isso fazia parte do mundo Barbie dos anos 80.
Barbie chegou aos 90 dirigindo uma Ferrari, se divertindo, cantando e dançando. Seus cabelos estavam mais compridos que nunca e suas roupas cada vez mais sofisticadas. Em 1992, sempre politicamente correta, ela se candidatou à presidência dos Estados Unidos.
Entre os diversos estilos adotados por ela, estavam a Barbie rap, roqueira, salva-vidas, médica, dentista, ginasta e uma super-Barbie, com capa cor-de-rosa. Em 1996, ela ganhou uma amiga paraplégica, Becky, que vinha com uma cadeira de rodas.
Ken, o eterno namorado, não ficou para trás, ganhou uma versão Brad Pitt em 1999. Nesse mesmo ano, as tops Claudia Shiffer e Naomi Campbel também ganharam suas versões da boneca. Dotada de um corpo mais flexível, Barbie chegou ao ano 2000 como uma mulher moderna, que trabalha, e por isso precisa de vários novos acessórios, como computador e celular.

Um modelo comemorativo foi lançado para comemorar os 40 anos da boneca, que vem usando um vestido longo preto com detalhes em prata e um buquê com 40 rosas vermelhas. Um luxo!!!A Barbie de hoje reflete o comportamento e os desejos das garotas de todo lugar. Ela pode ser o que quiser, sempre com estilo e claro, na última moda.

Anos 60: Novos estereótipos de beleza e mudanças radicais

2008-01-08T11:01:00.000-02:00

Os anos 50 chegaram ao fim com uma geração de jovens, filhos do chamado "baby boom", que vivia no auge da prosperidade financeira, em um clima de euforia consumista gerada nos anos do pós-guerra nos EUA. A nova década que começava já prometia grandes mudanças no comportamento, iniciada com o sucesso do rock and roll e o rebolado frenético de Elvis Presley, seu maior símbolo.

A imagem do jovem de blusão de couro, topete e jeans, em motos ou lambretas, mostrava uma rebeldia ingênua sintonizada com ídolos do cinema como James Dean e Marlon Brando.

As moças bem comportadas já começavam a abandonar as saias rodadas de Dior e atacavam de calças cigarette, num prenúncio de liberdade.

Os anos 60, acima de tudo, viveram uma explosão de juventude em todos os aspectos. Era a vez dos jovens, que influenciados pelas idéias de liberdade "On the Road" [título do livro do beatnik Jack Keurouac, de 1957] da chamada geração beat, começavam a se opor à sociedade de consumo vigente. O movimento, que nos 50 vivia recluso em bares nos EUA, passou a caminhar pelas ruas nos anos 60 e influenciaria novas mudanças de comportamento jovem, como a contracultura e o pacifismo do final da década.

Nesse cenário, a transformação da moda iria ser radical. Era o fim da moda única, que passou a ter várias propostas e a forma de se vestir se tornava cada vez mais ligada ao comportamento.

Conscientes desse novo mercado consumidor e de sua voracidade, as empresas criaram produtos específicos para os jovens, que, pela primeira vez, tiveram sua própria moda, não mais derivada dos mais velhos. Aliás, a moda era não seguir a moda, o que representava claramente um sinal de liberdade, o grande desejo da juventude da época.

Algumas personalidades de características diferentes, como as atrizes Jean Seberg, Natalie Wood, Audrey Hepburn, Anouk Aimée, modelos como Twiggy, Jean Shrimpton, Veruschka ou cantoras como Joan Baez, Marianne Faithfull e Françoise Hardy, acentuavam ainda mais os efeitos de uma nova atitude.

Na moda, a grande vedete dos anos 60 foi, sem dúvida, a minissaia. A inglesa Mary Quant divide com o francês André Courrèges sua criação. Entretanto, nas palavras da própria Mary Quant: "A idéia da minissaia não é minha, nem de Courrèges. Foi a rua que a inventou". Não há dúvidas de que passou a existir, a partir de meados da década, uma grande influência da moda das ruas nos trabalhos dos estilistas. Mesmo as idéias inovadoras de Yves Saint Laurent com a criação de japonas e sahariennes foram atualizações das tendências que já eram usadas nas ruas de Londres ou Paris.

O sucesso de Quant abriu caminho para outros jovens estilistas, como Ossie Clark, Jean Muir e Zandra Rhodes. Na América, Bill Blass, Anne Klein e Oscar de la Renta, entre outros, tinham seu próprio estilo, variando do psicodélico [que se inspirava em elementos da art nouveau, do oriente, do Egito antigo ou até mesmo nas viagens que as drogas proporcionavam] ou geométrico e o romântico.

Em 1965, na França, André Courrèges operou uma verdadeira revolução na moda, com sua coleção de roupas de linhas retas, minissaias, botas brancas e sua visão de futuro, em suas "moon girls", de roupas espaciais, metálicas e fluorescentes. Enquanto isso, Saint Laurent criou vestidos tubinho inspirados nos quadros neoplasticistas de Mondrian e o italiano Pucci virou mania com suas estampas psicodélicas. Paco Rabanne, em meio às suas experimentações, usou alumínio como matéria-prima.

Os tecidos apresentavam muita variedade, tanto nas estampas quanto nas fibras, com a popularização das sintéticas no mercado, além de todas as naturais, sempre muito usadas.

As mudanças no vestuário também alcançaram a lingerie, com a generalização do uso da calcinha e da meia-calça, que dava conforto e segurança, tanto para usar a minissaia, quanto para dançar o twist e o rock.

O unissex ganhou força com os jeans e as camisas sem gola. Pela primeira vez, a mulher ousava se vestir com roupas tradicionalmente masculinas, como o smoking [lançado para mulheres por Yves Saint Laurent em 1966].

A alta-costura cada vez mais perdia terreno e, entre 1966 e 1967, o número de maisons inscritas na Câmara Sindical dos costureiros parisienses caiu de 39 para 17. Consciente dessa realidade, Saint Laurent saiu na frente e inaugurou uma nova estrutura com as butiques de prêt-à-porter de luxo, que se multiplicariam pelo mundo também através das franquias.

Com isso, a confecção ganhava cada vez mais terreno e necessitava de criatividade para suprir o desejo por novidades. O importante passaria a ser o estilo e o costureiro passou a ser chamado de estilista.

Nessa época, Londres havia se tornado o centro das atenções, a viagem dos sonhos de qualquer jovem, a cidade da moda. Afinal, estavam lá, o grande fenômeno musical de todos os tempos, os Beatles, e as inglesinhas emancipadas, que circulavam pelas lojas excêntricas da Carnaby Street, que mais tarde foram para a famosa King's Road e o bairro de Chelsea, sempre com muita música e atitude jovens.Nesse contexto, a modelo Jean Shrimpton era a personificação das chamadas "chelsea girls". Sua aparência era adolescente, sempre de minissaia, com seus cabelos longos com franja e olhos maquiados. Catherine Deneuve também encarnava o estilo das "chelsea girls", assim como sua irmã, a também atriz Françoise Dorléac. Por outro lado, Brigitte Bardot encarnava o estilo sexy, com cabelos compridos soltos rebeldes ou coque no alto da cabeça [muito imitado pelas mulheres].
Entretanto, os anos 60 sempre serão lembrados pelo estilo da modelo e atriz Twiggy, muito magra, com seus cabelos curtíssimos e cílios inferiores pintados com delineador.

A maquiagem era essencial e feita especialmente para o público jovem. O foco estava nos olhos, sempre muito marcados. Os batons eram clarinhos ou mesmo brancos e os produtos preferidos deviam ser práticos e fáceis de usar. Nessa área, Mary Quant inovou ao criar novos modelos de embalagens, com caixas e estojos pretos, que vinham com lápis, pó, batom e pincel. Ela usou nomes divertidos para seus produtos, como o "Come Clean Cleanser", sempre com o logotipo de margarida, sua marca registrada.

As perucas também estavam na moda e nunca venderam tanto. Mais baratas e em diversas tonalidades e modelos, elas eram produzidas com uma nova fibra sintética, o kanekalon.

O estilo da "swinging London" culminou com a Biba, uma butique independente, frequentada por personalidades da época. Seu ar romântico retrô, aliado ao estilo camponês, florido e ingênuo de Laura Ashley, estavam em sintonia com o início do fenômeno hippie do final dos anos 60.

A moda masculina, por sua vez, foi muito influenciada, nos início da década, pelas roupas que os quatro garotos de Liverpool usavam, especialmente os paletós sem colarinho de Pierre Cardin e o cabelo de franjão. Também em Londres, surgiram os mods, de paletó cintado, gravatas largas e botinas. A silhueta era mais ajustada ao corpo e a gola rolê se tornou um clássico do guarda-roupa masculino. Muitos adotaram também a japona do pescador e até mesmo o terno de Mao.

Os avanços na medicina, as viagens espaciais, o Concorde que viaja em velocidade superior à do som, são exemplos de uma era de grande desenvolvimento tecnológico que transmitia uma imagem de modernidade. Essa imagem influenciou não só a moda, mas também o design e a arte que passaria a ter um aspecto mais popular e fugaz.
Nesse contexto, nenhum movimento artístico causou maior impacto do que a Arte Pop. Artistas como Andy Warhol, Roy Lichetenstein e Robert Indiana usaram irreverência e ironia em seus trabalhos. Warhol usava imagens repetidas de símbolos populares da cultura norte-americana em seus quadros, como as latas de sopa Campbell, Elvis Presley e Marilyn Monroe. A Op Art [abreviatura de optical art, corrente de arte abstrata que explora fenômenos ópticos] também fez parte dessa época e estava presente em estampas de tecidos.No ritmo de todas as mudanças dos anos 60, o cinema europeu ganhava força com a nouvelle vague do cinema francês ["Acossado", de Jean-Luc Godard, se tornaria um clássico do movimento], ao lado do neo-realismo do cinema italiano, que influenciaram o surgimento, no início da década, do cinema novo [que teve Glauber Rocha como um dos seus iniciadores] no Brasil, ao contestar as caras produções da época e destacar a importância do autor, ao contrário dos estúdios de Hollywood. No final dos anos 60, de Londres, o reduto jovem mundial se transferiu para São Francisco (EUA), região portuária que recebia pessoas de todas as partes do mundo e também por isso, berço do movimento hippie, que pregava a paz e o amor, através do poder da flor [flower power], do negro [black power], do gay [gay power] e da liberação da mulher [women's lib]. Manifestações e palavras de ordem mobilizaram jovens em diversas partes do mundo.

A esse conjunto de manifestações que surgiram em diversos países deu-se o nome de contracultura. Uma busca por um outro tipo de vida, underground, à margem do sistema oficial. Faziam parte desse novo comportamento, cabelos longos, roupas coloridas, misticismo oriental, música e drogas.

A moda passou a ser as roupas antes reservadas às classes operárias e camponesas, como os jeans americanos, o básico da moda de rua. Nas butiques chiques, a moda étnica estava presente nos casacos afegãos, fulares indianos, túnicas floridas e uma série de acessórios da nova moda, tudo kitsch, retrô e pop.Toda a rebeldia dos anos 60 culminaram em 1968. O movimento estudantil explodiu e tomou conta das ruas em diversas partes do mundo e contestava a sociedade, seus sistemas de ensino e a cultura em diversos aspectos, como a sexualidade, os costumes, a moral e a estética.No Brasil, lutava-se contra a ditadura militar, contra a reforma educacional, o que iria mais tarde resultar no fechamento do Congresso e na decretação do Ato Institucional nº 5. Talvez o que mais tenha caracterizado a juventude dos anos 60 tenha sido o desejo de se rebelar, a busca por liberdade de expressão e liberdade sexual. Nesse sentido, para as mulheres, o surgimento da pílula anticoncepcional, no início da década, foi responsável por um comportamento sexual feminino mais liberal. Porém, elas também queriam igualdade de direitos, de salários, de decisão. Até o sutiã foi queimado em praça pública, num símbolo de libertação.Os 60 chegaram ao fim, coroados com a chegada do homem à Lua, em julho de 1969, e com um grande show de rock, o "Woodstock Music & Art Fair", em agosto do mesmo ano, que reuniu cerca de 500 mil pessoas em três dias de amor, música, sexo e drogas.

O biquini

2008-01-03T11:10:00.000-02:00

O biquíni (ou bikini) é um maiô de duas peças de tamanho reduzido, que cobrem o busto e a parte inferior do tronco. Seu nome se deriva do atol de Bikini, um atol do Pacífico onde se deu, em julho de 1946, um explosão atômica experimental. Assim, pretendia-se propor que a mulher de biquíni provocava, na época, o efeito de uma "bomba atômica". Na França, o termo é marca registrada.
A criação do biquini é disputada por dois estilistas franceses: primeiro, Jacques Heim apresentou o "atome" como "o menor maiô do mundo"; em seguida, Louis Réard mostrou o "bikini, menor que o menor maiô do mundo" e ficou com a fama do criador da peça.
Mas no início mulheres não estavam preparadas para usar peças de vestuário tão reduzidas, que mostravam o umbigo e foi proibido em vários países incluindo Portugal. No entanto actrizes como Ava Gardner, Ursula Andress e Brigitte Bardot foram contra todos os preconceitos da época aderindo ao biquíni, como instrumento de sedução em filmes e em fotos.
Nos anos 60 biquíni atingiu o auge de popularidade. Era muitas vezes usado como adorno em filmes e músicas, e como contestação política e social. Tornou-se um símbolo pop. No Rio de Janeiro tornaram-se populares os famosos biquínis "fio dental".

Fonte: Wikipédia

Felicidades em 2008

2007-12-28T11:54:00.000-02:00

Meus queridos,

Desejo a todos um 2008 de realizações, que todos os projetos de vida se concretizem, muita paz, saúde e prosperidade.

Agradeço as visitas que fizeram ao meu blog e tentarei atender a altura o carinho de todos vocês.

Que venha 2008 com muita felicidade pra todo mundo!

O responsável pelo retorno da feminilidade

2007-12-27T10:34:00.000-02:00

Um homem tímido e aparentemente comum, Christian Dior (1905-1957) transformou a maneira de se vestir após a Segunda Guerra Mundial e criou o estilo dos anos 50. Quando todos previam simplicidade e o conforto, ele propôs o luxo e a feminilidade extrema, copiados por mulheres do mundo inteiro.A grife Christian Dior sobreviveu ao seu criador e ainda hoje é sinônimo de luxo e sofisticação. Desde 1997, o inglês John Galliano é quem está à frente das criações da marca.

"Nós saímos de uma época de guerra, de uniformes, de mulheres-soldados, de ombros quadrados e estruturas de boxeador. Eu desenho femmes-fleurs, de ombros doces, bustos suaves, cinturas marcadas e saias que explodem em volumes e camadas. Quero construir meus vestidos, moldá-los sobre as curvas do corpo. A própria mulher definirá o contorno e o estilo."
Christian Dior

"New Look"

Em 1947, Christian Dior apresentou sua primeira coleção, batizada de "New Look" pela redatora da revista "Harper's Bazaar" americana, Carmel Snow. Ao contrário da moda prática de Chanel, o "New Look" era, basicamente, composto por saias amplas quase até os tornozelos, cinturas bem marcadas e ombros naturais. Era a volta da mulher feminina e elegante.O modelo que se tornou o símbolo do "New Look" foi o "tailleur Bar", um casaquinho de seda bege acinturado, ombros naturais e ampla saia preta plissada quase na altura dos tornozelos. Luvas, sapatos de saltos altos e chapéu completavam o figurino impecável. Com essa imagem de glamour, estava definido o padrão dos anos 50.

Em 1997, numa edição comemorativa limitada, a Barbie, boneca mais vendida no mundo, foi vestida com o famoso "tailleur Bar" de Christian Dior.

A história da Lingerie

2007-12-18T11:51:00.000-02:00

Várias peças e acessórios usados pelas mulheres compõem o que chamamos de lingerie, as conhecidas roupas de baixo. Formada por calcinhas, sutiãs, cintas-ligas, espartilhos e algumas outras peças, a lingerie desperta todo tipo de fantasias. Segundo Freud, a relação do erotismo com as roupas íntimas nada mais é do que o fetiche, ou feitiço. Isso acontece quando a satisfação pessoal se dá através de objetos ou ornamentos.

O cinema e as revistas também ajudaram a criar um clima de sedução e fantasia, despindo as musas de suas roupas e deixando-as apenas com suas roupas de baixo, cada vez mais bonitas e elaboradas.

A lingerie passou por uma série de transformações ao longo do tempo, acompanhando as mudanças culturais e as exigências de uma nova mulher que foi surgindo, principalmente durante o século 20. A evolução tecnológica possibilitou o surgimento de novos materiais, que tornou a lingerie mais confortável e durável, duas exigências da vida moderna.

Desde o tempo das vestes longas, usadas até pouco depois da Idade Média, passando pela ostentação dos séculos 17 e 18, quando era usado um verdadeiro arsenal de acessórios por baixo das grandes saias femininas, até o início do século 20, a mulher sofreu horrores em nome da beleza e da satisfação masculina.

Dita Von Teese

Os espartilhos, usados por mais de quatro séculos, causava sérios problemas à saúde, além do desconforto e da obrigação de ostentar uma "cinturinha de vespa". Os seios, foco da atenção por muito tempo, eram forçados para cima através dos cordões apertadíssimos dos espartilhos. Também as calcinhas, como são atualmente, passaram por drásticas mudanças. No século 19, eram usadas ceroulas, que iam até abaixo dos joelhos. O surgimento da lycra e do nylon permitiu uma série de inovações em sua confecção, que possibilitou até a criação de um modelo curioso nos anos 90: uma calcinha com bumbum falso, que contém um enchimento de espuma de nylon de vários tamanhos e modelagens.

Um acessório sensual muito usado na década de 20 foi a cinta-liga, criada para segurar as meias 7/8. Dançarinas do Charleston exibiam suas cintas-ligas por baixo das saias de franjas, enquanto se sacudiam ao som frenético das jazz-bands. Ainda nos anos 30, a cinta-liga era o único acessório disponível para prender as meias das mulheres, que só tiveram as meias-calças à sua disposição a partir da década de 40, com a invenção do náilon em 1935.

Espartilhos, meias de seda 7/8, ligas avulsas presas às cintas, continuaram sendo usados por muitas mulheres, mas não mais por uma imposição ou falta de opções, mas por uma questão de estilo ou fetiche, já que esses acessórios se tornaram símbolos de erotismo e sensualidade na sociedade ocidental. A lingerie atravessou o século 20 sempre acompanhando a moda e as mudanças de comportamento. Quando a moda eram roupas justas e cinturas marcadas, lá estava o sutiã com armações de metal, cintas e corpetes para moldar o corpo feminino. Na década de 60, com a revolução sexual, o sutiã chegou até a ser queimado em praça pública, num ato pela liberdade feminina. Uma geração de mulheres afirmava, em 1980, não usar nada por baixo das camisetas ou de seus jeans, mas os tempos mudaram e a moda trouxe tantas novidades em cores, materiais e estilos, indo do esportivo todo em algodão, ao mais sofisticado modelo em rendas e fitas, que as mulheres chegaram a gastar mais em roupas de baixo do que em qualquer outro item de guarda-roupa ainda durante os anos 80. A indústria de lingerie, que continua crescendo, aposta agora em alta tecnologia. É possível encontrar no mercado desde o espartilho no mais clássico modelo renascentista até o sutiã mais moderno, recheado de silicone, a última novidade

O salvador "pretinho básico"

2007-12-14T09:59:00.000-02:00

Um vestido preto sugere sofisticação, poder e sensualidade. Um verdadeiro curinga no armário das mulheres, ele é tão básico que combina com praticamente tudo, o que lhe permite ser usado durante o dia com tênis, mochila e acessórios coloridos, ou à noite, numa produção mais elaborada.

O surgimento do que hoje chamamos de "pretinho básico" data de 1926, ano em que a revista "Vogue" publicou uma ilustração do vestido criado por Chanel - o primeiro entre vários que a estilista iria criar ao longo de sua carreira.

Antes dos anos 20, as jovens não podiam usar preto e as senhoras o vestiam apenas no período de luto.A década de 30 começou com a grande depressão, resultado da quebra da Bolsa de Valores de Nova York, e terminou com a 2ª Grande Guerra. Além de estar fora de moda a ostentação, as mulheres estavam saindo para trabalhar fora de casa. Nesse cenário, as roupas para o dia tornaram-se mais sérias e o vestido preto se mostrou perfeito para a nova mulher que surgia.

Apenas em 1947 o vestido preto se transformou, ano em que o estilista francês Christian Dior lançou um novo estilo de roupas, com cinturas apertadas e quadris avantajados, valorizando as formas femininas. O uniforme dos anos 50, que se espalhou pelo mundo, era um vestido preto, com golas e luvas brancas, usado com um colar de pérolas, sapatos coloridos e uma estola de pele. Acabou assim, junto com a guerra, o modo simples e econômico de se vestir.

Audrey Hepburn em cenas do filme "Bonequinha de Luxo", de 1961

O pretinho tornou-se realmente famoso nos anos 60 e início dos 70. Chique, usado por Jacqueline Kennedy, elegante e feminino no corpo de Audrey Hepburn, no filme "Bonequinha de Luxo", de 1961, cujo figurino foi criado pelo estilista francês Hubert Givenchy, e descontraído, feito de crochê, na pele da atriz Jane Birkin, em 1969.

Após a moda psicodélica da década de 70, a cor voltou para disputar poder com os homens, nos anos 80. Preocupadas com o sucesso profissional, as mulheres precisavam de uma roupa simples e elegante, que fosse a todos os lugares. Mais uma vez, o vestido preto se tornou a melhor opção.Nos anos 90 ele continuou sendo uma peça básica do guarda-roupa feminino, feito com os mais diversos tecidos, do modelo mais simples ao mais sofisticado, usado em todas as ocasiões e em todos os horários. Por tudo isso o vestido preto se tornou o grande clássico do guarda-roupa feminino, aquele que garante as duas características básicas ao mesmo tempo - simplicidade e elegância.

Para Assistir "Cinderela em Paris"

2007-12-12T14:16:00.000-02:00

Título Original: Funny Face
Gênero: Musical Romântico
Origem/Ano: EUA/1956
Duração: 103 min
Direção: Stanley Donen
Elenco: Audrey Hepburn, Fred Astaire, Kay Thompson, Michel Auclair, Robert Flemyng, Dovima Suzy Parker, Sunny Hartnett, Jean Del Val, Virginia Gibson, Sue England, Ruta Lee, Alex Gerry, Iphigenie Castiglioni
Sinopse: Audrey Hepburn e Fred Astaire estão juntos para apresentar canções dos irmãos Gershwin neste belíssimo musical filmado em Paris, a romântica cidade-luz. Hepburn vive uma balconista de livraria que recebe um convite para virar modelo. Querem fotografá-la para a campanha de uma marca francesa caríssima e chique. Hepburn vira uma estrela descoberta pelo fotógrafo de moda Astaire que faz sua inimitável mágica em diversas cenas. O filme ganhou quatro indicações ao Oscar.
Distribuição em DVD: Paramount

Meus queridos anos 50

2007-12-11T13:28:00.000-02:00

Com o fim dos anos de guerra e do racionamento de tecidos, a mulher dos anos 50 se tornou mais feminina e glamourosa, de acordo com a moda lançada pelo "New Look", de Christian Dior, em 1947. Metros e metros de tecido eram gastos para confeccionar um vestido, bem amplo e na altura dos tornozelos. A cintura era bem marcada e os sapatos eram de saltos altos, além das luvas e outros acessórios luxuosos, como peles e jóias.

Essa silhueta extremamente feminina e jovial atravessou toda a década de 50 e se manteve como base para a maioria das criações desse período. Apesar de tudo indicar que a moda seguiria o caminho da simplicidade e praticidade, acompanhando todas as mudanças provocadas pela guerra, nunca uma tendência foi tão rapidamente aceita pelas mulheres como o "New Look" Dior, o que indica que a mulher ansiava pela volta da feminilidade, do luxo e da sofisticação.E foi o mesmo Christian Dior quem liderou, até a sua morte em 1957, a agitação de novas tendências que foram surgindo quase a cada estação.

Com o fim da escassez dos cosméticos do pós-guerra, a beleza se tornaria um tema de grande importância. O clima era de sofisticação e era tempo de cuidar da aparência. A maquiagem estava na moda e valorizava o olhar, o que levou a uma infinidade de lançamentos de produtos para os olhos, um verdadeiro arsenal composto por sombras, rímel, lápis para os olhos e sobrancelhas, além do indispensável delineador. A maquiagem realçava a intensidade dos lábios e a palidez da pele, que devia ser perfeita.

Grandes empresas, como a Revlon, Helena Rubinstein, Elizabeth Arden e Estée Lauder, gastavam muito em publicidade, era a explosão dos cosméticos. Na Europa, surgiram a Biotherm, em 1952 e a Clarins, em 1954, lançando produtos feitos a base de plantas, que se tornaria uma tendência a partir daí.Era também o auge das tintas para cabelos, que passaram a fazer parte da vida de dois milhões de mulheres - antes eram 500 -, e das loções alisadoras e fixadoras.Os penteados podiam ser coques ou rabos-de-cavalo, como os de Brigitte Bardot. Os cabelos também ficaram um pouco mais curtos, com mechas caindo no rosto e as franjas davam um ar de menina. Dois estilos de beleza feminina marcaram os anos 50, o das ingênuas chiques, encarnado por Grace Kelly e Audrey Hepburn, que se caracterizavam pela naturalidade e jovialidade e o estilo sensual e fatal, como o das atrizes Rita Hayworth e Ava Gardner, como também o das pin-ups americanas, loiras e com seios fartos.

Entretanto, os dois grandes símbolos de beleza da década de 50 foram Marilyn Monroe e Brigitte Bardot, que eram uma mistura dos dois estilos, a devastadora combinação de ingenuidade e sensualidade.As pioneiras das atuais top models surgiram através das lentes dos fotógrafos de moda, entre eles, Richard Avedon, Irving Penn e Willian Klein, que fotografavam para as maisons e para as revistas de moda, como a Elle e a Vogue.

Durante os anos 50, a alta-costura viveu o seu apogeu. Nomes importantes da criação de moda, como o espanhol Cristobal Balenciaga - considerado o grande mestre da alta-costura -, Hubert de Givenchy, Pierre Balmain, Chanel, Madame Grès, Nina Ricci e o próprio Christian Dior, transformaram essa época na mais glamourosa e sofisticada de todas.A partir de 1950, uma forma de difusão da alta-costura parisiense tornou-se possível com a criação de um grupo chamado "Costureiros Associados", do qual faziam parte famosas maisons, como a de Jacques Fath, Jeanne Paquin, Robert Piguet e Jean Dessès. Esse grupo havia se unido a sete profissionais da moda de confecção para editar, cada um, sete modelos a cada estação, para que fossem distribuídos para algumas lojas selecionadas. Assim, em 1955, a grife "Jean Dessès-Diffusion" começou a fabricar tecidos em série para determinadas lojas da França e da África do Norte.O grande destaque na criação de sapatos foi o francês Roger Vivier. Ele criou o salto-agulha, em 1954 e, em 1959 o salto-choque, encurvado para dentro, além do bico chato e quadrado, entre muitos outros. Vivier trabalhou com Dior e criou vários modelos para os desfiles dos grandes estilistas da época.Em 1954, Chanel reabriu sua maison em Paris, que esteve fechada durante a guerra. Aos 70 anos de idade, ela criou algumas peças que se tornariam inconfundíveis, como o famoso tailleur com guarnições trançadas, a famosa bolsa a tiracolo em matelassê e o escarpin bege com ponta escura.Ao lado do sucesso da alta-costura parisiense, os Estados Unidos estavam avançando na direção do ready-to-wear e da confecção. A indústria norte-americana desse setor estava cada vez mais forte, com as técnicas de produção em massa cada vez mais bem desenvolvidas e especializadas.Na Inglaterra, empresas como Jaeger, Susan Small e Dereta produziam roupas prêt-à-porter sofisticadas. Na Itália, Emilio Pucci produzia peças separadas em cores fortes e estampadas que faziam sucesso tanto na Europa como nos EUA.

Na França, Jacques Fath foi um dos primeiros a se voltar ao prêt-à-porter, ainda em 1948, mas era inevitável que os outros estilistas começassem a acompanhar essa nova tendência a medida que a alta-costura começava a perder terreno, já no final dos anos 50.Nessa época, pela primeira vez, as pessoas comuns puderam ter acesso às criações da moda sintonizada com as tendências do momento.Em 1955, as revistas Elle e Vogue dedicaram várias páginas de sua publicação às coleções de prêt-à-porter, o que sinalizava que algo estava se transformando no mundo da moda.Uma preocupação dos estilistas era a diversificação dos produtos, através do sistema de licenças, que estava revolucionando a estratégia econômica das marcas. Assim, alguns itens se tornaram símbolos do que havia de mais chique, como o lenço de seda Hermès, que Audrey Hepburn usava, o perfume Chanel Nº 5, preferido de Marilyn Monroe e o batom Coronation Pink, lançado por Helena Rubinstein para a coroação da rainha da Inglaterra.

Dentro do grande número de perfumes lançados nos anos 50, muitos constituem ainda hoje os principais produtos em que se apóiam algumas maisons, cuja sobrevivência muitas vezes é assegurada por eles.

A Guerra Fria, travada entre os Estados Unidos e a então União Soviética ficou marcada, durante os anos 50, pelo início da corrida espacial, uma verdadeira competição entre os dois países pela liderança na exploração do espaço.A ficção científica e todos os temas espaciais passaram a ser associados a modernidade e foram muito usados. Até os carros americanos ganharam um visual inspirado em foguetes. Eles eram grandes, baixos e compridos, além de luxuosos e confortáveis.

Os Estados Unidos estavam vivendo um momento de prosperidade e confiança, já que haviam se transformado em fiadores econômicos e políticos do mundo ocidental após a vitória dos aliados na guerra. Isso fez surgir, durante esse período, uma juventude abastada e consumista, que vivia com o conforto que a modernidade lhes oferecia.

Melhores condições de habitação, desenvolvimento das comunicações, a busca pelo novo, pelo conforto e consumo são algumas das características dessa época.

A televisão se popularizou e permitia que as pessoas assistissem aos acontecimentos que cercavam os ricos e famosos, que viviam de luxo, prazer e elegância, como o casamento da atriz Grace Kelly com o príncipe Rainier de Mônaco.

A tradição e os valores conservadores estavam de volta. As pessoas casavam cedo e tinham filhos. Nesse contexto, a mulher dos anos 50, além de bela e bem cuidada, devia ser boa dona-de-casa, esposa e mãe. Vários aparelhos eletrodomésticos foram criados para ajudá-la nessa tarefa difícil, como o aspirador de pó e a máquina de lavar roupas.

Em contraposição ao estilo norte-americano de obsolescência planejada, ao criarem produtos pouco duráveis, na Europa ressurgiu, especialmente na Alemanha, o estilo modernista da Bauhaus, com o objetivo de fabricar bens duráveis, com um design voltado a funcionalidade e ao futuro, refletindo a vida moderna. Vários equipamentos, como rádios, televisores e máquinas, foram criados seguindo a fórmula de linhas simples, durabilidade e equilíbrio.

Ao som do rock and roll, a nova música que surgia nos 50, a juventude norte-americana buscava sua própria moda. Assim, apareceu a moda colegial, que teve origem no sportswear. As moças agora usavam, além das saias rodadas, calças cigarrete até os tornozelos, sapatos baixos, suéter e jeans.

O cinema lançou a moda do garoto rebelde, simbolizada por James Dean, no filme "Juventude Transviada" (1955), que usava blusão de couro e jeans. Marlon Brando também sugeria um visual displicente no filme "Um Bonde Chamado Desejo" (1951), transformando a camiseta branca em um símbolo da juventude.

Já na Inglaterra, alguns londrinos voltaram a usar o estilo eduardiano, mas com um componente mais agressivo, com longos jaquetões de veludo, coloridos e vistosos, além de um topete enrolado. Eram os "teddy-boys".

Ao final dos anos 50, a confecção se apresentava como a grande oportunidade de democratização da moda, que começou a fazer parte da vida cotidiana. Nesse cenário, começava a ser formar um mercado com um grande potencial, o da moda jovem, que se tornaria o grande filão dos anos 60.

Anos 40 - A moda e a Guerra

2007-12-10T13:37:00.000-02:00

Em 1940, a Segunda Guerra Mundial já havia começado na Europa. A cidade de Paris, ocupada pelos alemães em junho do mesmo ano, já não contava com todos os grandes nomes da alta-costura e suas maisons.

Muitos estilistas se mudaram, fecharam suas casas ou mesmo as levaram para outros países.A Alemanha ainda tentou destruir a indústria francesa de costura, levando as maisons parisienses para Berlim e Viena, mas não teve êxito. O estilista francês Lucien Lelong, então presidente da câmara sindical, teve um papel importante nesse período ao preparar um relatório defendendo a permanência das maisons no país.

Durante a guerra, 92 ateliês continuaram abertos em Paris.Apesar das regras de racionamento, impostas pelo governo, que também limitava a quantidade de tecidos que se podia comprar e utilizar na fabricação das roupas, a moda sobreviveu à guerra. A silhueta do final dos anos 30, em estilo militar, perdurou até o final dos conflitos. A mulher francesa era magra e as suas roupas e sapatos ficaram mais pesados e sérios. A escassez de tecidos fez com que as mulheres tivessem de reformar suas roupas e utilizar materiais alternativos na época, como a viscose, o raiom e as fibras sintéticas. Mesmo depois da guerra, essas habilidades continuaram sendo muito importantes para a consumidora média que queria estar na moda, mas não tinha recursos para isso.

Na Grã-Bretanha, o "Fashion Group of Great Britain", comandado por Molyneux, criou 32 peças de vestuário para serem produzidas em massa. A intenção era criar roupas mais atraentes, apesar das restrições.O corte era reto e masculino, ainda em estilo militar. As jaquetas e abrigos tinham ombros acolchoados angulosos e cinturões. Os tecidos eram pesados e resistentes, como o "tweed", muito usado na época. As saias eram mais curtas, com pregas finas ou franzidas. As calças compridas se tornaram práticas e os vestidos, que imitavam uma saia com casaco, eram populares.

O náilon e a seda estavam em falta, fazendo com que as meias finas desaparecessem do mercado. Elas foram trocadas pelas meias soquetes ou pelas pernas nuas, muitas vezes com uma pintura falsa na parte de trás, imitando as costuras.Os cabelos das mulheres estavam mais longos que os dos anos 30. Com a dificuldade em encontrar cabeleireiros, os grampos eram usados para prendê-los e formar cachos. Os lenços também foram muitos usados nessa época.A maquilagem era improvisada com elementos caseiros. Alguns fabricantes apenas recarregavam as embalagens de batom, já que o metal estava sendo utilizado na indústria bélica.

A simplicidade a que a mulher estava submetida talvez tenha despertado seu interesse pelos chapéus, que eram muito criativos. Nesse período surgiram muitos modelos e adornos. Alguns eram grandes, com flores e véus; e outros, menores, de feltro, em estilo militar.

Jacques Fath

Durante a guerra, a alta-costura ficou restrita às mulheres dos comandantes alemães, dos embaixadores em exercício e àquelas que de alguma forma podiam frequentar os salões das grandes maisons. Alguns estilistas abriram novos ateliês em Paris durante a guerra, como Jacques Fath (1912-1954) - que se tornaria muito popular nos Estados Unidos após a guerra -, Nina Ricci (1883-1970) e Marcel Rochas (1902-1955), um dos primeiros a colocar bolsos em saias. Alix Grès (1903-1993) chegou a ter seu ateliê fechado logo após a inauguração, em 1941, pelos alemães, por ter apresentado vestidos nas cores da bandeira francesa. Sua marca era a habilidade em drapear o jérsei de seda, com acabamento primoroso.

Outro estilista importante foi o inglês Charles James (1906-1978), que, no período de 1940 a 1947, em Nova York, criou seus mais belos modelos. Chegou a antecipar, em alguns, o que viria a ser o "New Look", de Christian Dior. Durante a guerra, o chamado "ready-to-wear" (pronto para usar), que é a forma de produzir roupas de qualidade em grande escala, realmente se desenvolveu. Através dos catálogos de venda por correspondência com os últimos modelos, os pedidos podiam ser feitos de qualquer lugar e entregues em 24 horas pelos fabricantes.

Sem dúvida, o isolamento de Paris fez com que os americanos se sentissem mais livres para inventar sua própria moda. Nesse contexto, foram criados os conjuntos, cujas peças podiam ser combinadas entre si, permitindo que as mulheres pudessem misturar as peças e criar novos modelos. A partir daí, um grupo de mulheres lançou os fundamentos do "sportswear' americano. Com isso, o "ready-to-wear", depois chamado de "prêt-à-porter" pelos franceses, que até então havia sido uma espécie de estepe para tempos difíceis, se transformou numa forma prática, moderna e elegante de se vestir. Com a falta de materiais em quase todos os setores e em todos os países envolvidos nos conflitos, novos materiais foram desenvolvidos e utilizados para a produção de objetos e móveis, como os potes flexíveis e duráveis, de polietileno, que ficaram conhecidos como Tupperware. Com a libertação de Paris, em 1944, a alegria invadiu as ruas, assim como os ritmos do jazz e as meias de náilon americanas, trazidas pelos soldados, que levaram de volta para suas mulheres o perfume Chanel nº 5.

Em 1945, foi criada uma exposição de moda, com a intenção de angariar fundos e confirmar a força e o talento da costura parisiense. Como não havia material suficiente para a produção de modelos luxuosos, a solução foi vestir pequenas bonecas, moldadas com fio de ferro e cabeças de gesso, com trajes criados por todos os grandes nomes da alta-costura francesa. Importantes artistas, como Christian Bérard e Jean Cocteau participaram da produção da exposição, composta por 13 cenários e 237 bonecas, devidamente vestidas, da roupa esporte ao vestido de baile, com todos os acessórios, lingeries, chapéus, peles e sapatos, tudo feito manualmente, idênticos, em acabamento e luxo, aos de tamanho natural.No dia 27 de março de 1945, "Le Théatre de la Mode" (O Teatro da Moda) encantou seus convidados em Paris. Mais de 200 mil franceses visitaram a exposição, que seguiu para vários países, como Espanha, Inglaterra, Áustria e Estados Unidos, sempre com muito sucesso.

No pós-guerra, o curso natural da moda seria a simplicidade e a praticidade, características da moda lançada por Chanel anteriormente. Entretanto, o francês Christian Dior, em sua primeira coleção, apresentada em 1947, surpreendeu a todos com suas saias rodadas e compridas, cintura fina, ombros e seios naturais, luvas e sapatos de saltos altos. O sucesso imediato do seu "New Look", como a coleção ficou conhecida, indica que as mulheres ansiavam pela volta do luxo e da sofisticação perdidos. Dior estava imortalizado com o seu "New Look" jovem e alegre. Era a visão da mulher extremamente feminina, que iria ser o padrão dos anos 50.

Voltei

2007-12-10T13:20:00.000-02:00

Amigos, voltei! Depois de tanto tempo sem escrever no meu blog luxuoso não mais irei abandoná-los.

Espero que gostem das próximas postagens.

Muitos diamantes e espumantes!

Camisetas de Divas

2007-10-24T15:30:00.000-02:00

Em minha última viagem à São Paulo descobri uma lojinha bacanérrima de camisetas, a Nonsense. Comprei algumas camisetas lá e fiquei muito feliz em saber que eles vendem pela internet. Além da enorme variedade, acima de três camisetas o frete é gratuito.

Confira algumas camisetas bacanérrimas da Nonsense:

Camiseta Bettie Page R$49,00
Camiseta Audrey Hepburn R$49,00

Camiseta Rita Hayworth R$49,00

Camiseta Betty Davis R$49,00
Camiseta Marilyn Monroe R$49,00
Camiseta Marlene Dietrich R$49,00

A Nonsense não fabrica apenas camisetas com atrizes clássicas, são mais de 153 estampas dos mais variados temas. http://www.nonsense.com.br/

Audrey Hepburn

2007-10-18T11:47:00.000-02:00

Apesar de sempre publicar a pin-up do mês, dessa vez decidi não esperar até maio para contar a história de uma estrela que merece toda nossa apreciação, é realmente emocionante a história da vida Audrey Hepburn.

Edda Kathleen van Heemstra Hepburn-Ruston nasceu em Bruxelas, Bélgica, no dia 4 de maio de 1929. Filha de uma baronesa holandesa, Ella van Heemstra, e de um banqueiro inglês, Joseph Victor Anthony Hepburn-Ruston, Audrey "morreu" três semanas após ter nascido: uma violenta crise de gulpa fez seu coração parar de bater. Sua mãe, uma cientista cristã, não quis chamar um médico, e reavivou a filha espancando-a.

Quando Audrey tinha 6 anos, seu pai abandonou a família, e três anos depois, Ella e Joseph divorciaram-se. A partida do pai foi, segundo Audrey, a experiência mais traumática de sua vida, uma tragédia da qual ela nunca realmente recuperou-se. Na época do divórcio dos pais, Audrey estava num internato na Inglaterra. Sua mãe para lá a mandou porque a filha era muito tímida, e também para mantê-la longe de suas brigas com o marido, que bebia na época.

Foi durante seu tempo em Londres que Audrey apaixonou-se pela dança, tendo lições de balé com a srta. Ridgen.No ano de 1939, Audrey ficou muito triste quando sua mãe decidiu tirá-la da escola e levá-la de volta para Holanda. Nem mesmo a ajuda oferecida por um instrutor de dança da garota, que queria mantê-la em Londres para aperfeiçoar seu talento para a dança, foi suficiente para fazer a baronesa mudar de idéia. Ella van Heemstra tomou tal decisão porque a Inglaterra havia declarado guerra contra a Alemanha, e Londres poderia ser bombardeada. Além disso, as viagens estavam escassas, e Ella tinha medo de ficar anos sem ver a filha. Naquele tempo, a Holanda era considerada neutra, e ninguém achava que Hitler fosse invadir o país.Entretanto, a história foi diferente, e Audrey passou vários anos na Holanda ocupada pelos nazistas durante a Segunda Guerra Mundial. Durante esse período, a menina teve que suportar a morte de diversos parentes e a escassez de comida - muitas vezes ela teve que comer bulbos de tulipa para sobreviver.

Mesmo com todos os seus problemas, Audrey carregava mensagens nos seus sapatos de balé, para ajudar a resistência. Devido à má nutrição, ela manteve durante toda sua vida o peso de 49kg, muito pouco para seus 1.70m de altura.Com o final da guerra, a então adolescente Audrey mudou-se para a Inglaterra com a baronesa e, aos 19 anos, foi aceita na famosa escola de dança de Marie Lambert. No entanto, sua professora lhe disse que ela era alta demais, e não tinha o talento necessário para ser uma primma ballarina.

Os planos de Audrey foram por água abaixo, pois ser dançarina era o seu grande objetivo na vida. A garota passou a trabalhar como corista e modelo fotográfico, para manter o sustento da família.Com o passar do tempo, Audrey obtinha pequenos papéis em filmes. Em 1952, ela viajou para a França a fim de filmar "Montecarlo Baby", um dos seus primeiros papéis principais. Enquanto filmava no lobby de um hotel, ela foi vista pela escritora francesa Collette, que estava trabalhando na adaptação para a Brodway do romance "Gigi". O papel principal da peça ainda não havia sido definido, e ao ver Audrey dançando animada com seus colegas de elenco, Collette disse: "Aí está minha Gigi!".Durante seu encontro com Collette, Audrey recusou o papel, dizendo que não sabia atuar. A escritora conseguiu fazer com que ela mudasse de idéia e lesse para o papel. Mesmo com as limitações de sua escolhida, Collette não desistiu dela.Pouco tempo depois veio o encontro com o diretor William Wyler, e a audição para o papel da princesa Ann em "A Princesa e o Plebeu". Depois de rever seu teste, Wyler ficou encantado com Audrey, e a escalou para o filme.Em outubro de 1951, começaram os ensaios para "Gigi", e Audrey empenhou-se muito em seu treinamento, tendo lições vocais e mostrando muita disciplina. Quando a peça estreou, as críticas não foram de todo favoráveis, mas todos concordavam que a desconhecida que interpretava o papel principal era uma grande estrela em ascenção, destinada ao sucesso.James Hanson, noivo de Audrey na época, havia viajado para Nova York para a premiere de "Gigi", e a propôs em casamento. Seu pedido foi aceito, mas vários meses depois, o casal rompeu o noivado.Quando "Gigi" encerrou sua temporada na Brodway, no início de 1952, Audrey foi para Roma filmar "A Princesa e o Plebeu", com Gregory Peck. O ator ficou tão pasmo com o talento da colega de elenco que falou para os produtores do filme colocarem o nome de Audrey ao lado do dele nos créditos.

As filmagens de "A Princesa e o Plebeu" terminaram em setembro de 1952, e a produção foi um sucesso imediato. Hollywood apaixonou-se por Audrey. Em setembro de 1953, ela começou a filmar "Sabrina", dirigido por Billy Wilder, uma adaptação do espetáculo da Brodway "Sabrina Fair". Seus colegas de elenco no filme eram Humphrey Bogart e William Holden.Antes do início das filmagens, Audrey foi para Paris, a fim de pegar seu figurino para "Sabrina". Ao saber que uma srta. Hepburn gostaria de vê-lo, o estilista Hubert de Givenchy pensou que se tratava de Katherine Hepburn, e ficou desapontado ao encontrar uma completa desconhecida. No entanto, ele se encantou com Audrey durante o tempo em que esteve em sua presença, e começou a tomar suas medidas para fazer suas roupas para o filme.A parceria de Audrey e Givenchy, que se repetiu em muitos outros filmes da atriz, revolucionou o mundo da moda, e os dois viraram grandes amigos, amizade essa que duraria toda a vida.Durante a filmagem de "Sabrina", Audrey envolveu-se romanticamente com seu colega, William Holden. Os dois chegaram a falar de casamento, mas ela terminou o relacionamento ao saber que Holden havia feito uma vasectomia. Audrey queria muito ter filhos, e por isso abandonou o homem pelo qual estava apaixonada.

Em 1954, durante uma festa, Audrey foi apresentada ao ator Mel Ferrer pelo amigo comum dos dois, Gregory Peck. Eles gostaram um do outro e, alguns meses depois, Mel mostrou para Audrey o script da peça "Ondine", sobre um espírito das águas que se apaixona por um cavaleiro. Ela aceitou o papel na peça, e durante sua temporada na Brodway, os dois iniciaram um romance.Durante a produção de "Ondine", Audrey ficou chocada ao saber que havia sido indicada ao Oscar pelo seu papel em "A Princesa e o Plebeu". A cerimônia, que realizou-se em 25 de março de 1954, estava sendo filmada em Los Angeles e Nova York. Audrey atendeu a última, pois estava atuando na sua peça, na Brodway. Ela chegou atrasada à cerimônia, ainda usando a maquiagem da peça, e recebeu o prêmio de Melhor Atriz.Três dias após a cerimônia do Oscar, Audrey recebeu outro choque: havia ganho o Tony pela sua atuação em Ondine. "Como superarei estes prêmios?", a atriz disse para os jornalistas. "É como quando você ganha uma roupa grande enquanto criança, algo que você precisa crescer para que sirva direito".

"Ondine" fechou em 3 de julho de 1954, após 157 apresentações. Pouco tempo depois, Mel Ferrer voou para a Suiça e propôs Audrey em casamento. Ela aceitou, mesmo com a objeção de sua mãe. Os dois casaram-se numa cerimônia civil em 24 de setembro de 1954, e repetiram seus votos numa cerimônia religiosa em uma capela protestante um dia depois, presidida pelo pastor Maurice Eindigver.No final de 54, após a lua de mel na Itália, Audrey ficou emocionada ao descobrir que estava esperando um filho. No entanto, ela sofreu um aborto, pouco tempo antes de filmar com Mel Ferrer o épico "Guerra e Paz". Esta foi o primeiro de uma série de abortos que Audrey sofreu. Ela ficou muito deprimida e fumava muito. Ser mãe era o que mais importava para Audrey, e parecia que ela nunca teria essa benção. A melhor maneira que Mel encontrava para animar a esposa era fazer com que ela trabalhasse, então eles recomeçaram a filmar "Guerra e Paz".Durante os anos seguintes, Audrey fez muitos filmes de sucesso. A maior parte dos quais eram comédias românticas sobre uma garota que se apaixona por um homem mais velho, incluindo "Cinderela em Paris" e "Love in the Afternoon", ambos de 57, com Fred Astaire e Gary Cooper, respectivamente. Após completar 5 filmes com histórias românticas, Audrey estava pronta para um desafio. Ela queria provar-se para todos que pensavam que ela só podia atuar em filmes água-com-açúcar. Então, em 1959, ela começou a filmar "Uma Cruz à beira do abismo", um drama baseado na autobiografia de Marie-Louise Habets sobre sua vida como freira após a morte de seu pai na guerra, quando enfrenta a decisão de continuar a ser freira ou opor-se aos nazistas. O papel rendeu a Audrey grande prestígio e sua 3ª indicação ao Oscar.Também em 1959 Audrey filmou "A Flor que não morreu", que co-estrelava Anthony Perkins e era dirigido pelo seu marido, Mel Ferrer. Entretanto, o filme foi uma grande decepção, e Audrey seguiu para seu próximo projeto, a produção de John Huston, "O Passado Não Perdoa", faroeste estrelado por Burt Lancaster.

Durante as filmagens, Audrey caiu de um cavalo, quebrando as costas. O mais incrível de tudo isso é que ela não reclamou de sua condição, de maneira alguma. Audrey declarou que a dor não era "tão ruim assim" e se recusou a tomar medicação. Ela logo voltou às filmagens, mas estava preocupada por estar grávida quando teve o acidente. Pouco tempo depois do filme estar pronto, Audrey sofreu outro aborto. Algum tempo depois, Audrey ficou grávida novamente, e dessa vez recusou-se a trabalhar. Ela ficou em casa, relaxando e tomando todas as precauções possíveis. No dia 17 de janeiro de 1960, aos 30 anos de idade, Audrey deu à luz a Sean Hepburn Ferrer. Sean, que significa "presente de Deus", nasceu no Lucerne's Municipal Maternity Clinic, pesando em torno de 3kg e meio. Depois de ver seu filho e chorar de alegria, Audrey desmaiou. A criança foi batizada pelo mesmo pastor e na mesma capela em que Audrey e Mel casaram-se, alguns anos antes.Depois de mais ou menos 1 ano de licença-maternidade, ela voltou a Hollywood para aceitar "o papel que ela nasceu para interpretar". "Bonequinha de Luxo", romance de Truman Capote, era sobre Holly Golightly, uma jovem vivendo em Nova York. Golightly era uma prostituta de luxo, que depois de muito tempo evitando o amor, apaixona-se pelo escritor que vive no mesmo edifício que ela. Capote detestou a idéia de Hepburn interpretando Holly, e deixou claro que ele queria Marylin Monroe para o papel. Audrey, nem um pouco intimidada pelo escritor, filmou com charme e estilo impecáveis, graças em parte à outra parceria com Givenchy. Ela recebeu sua 4ª indicação ao Oscar e "Bonequinha de Luxo" será para sempre lembrado como o filme de maior estilo do século 20.

Pouco tempo depois, Audrey filmou "Infâmia", com Shirley MacLaine, a refilmagem de Stanley Donen sobre a história de uma estudante que acusa duas funcionárias de uma escola para meninas de lesbianismo. Devido ao seu conteúdo, o filme foi considerado escandaloso. Depois disso, Audrey partiu para um projeto de Stanley Donen, "Charada", sobre uma viúva que é perseguida por um grupo se sujeitos mal-encarados que alegam que seu recém falecido marido havia roubado uma grande quantia em dinheiro, e que eles a queriam de volta. Ela não faz idéia do que eles estão falando, e logo é envolvida numa teia de mentiras e mistério onde não sabe em quem confiar, nem mesmo no seu interesse amoroso, o sempre charmoso Cary Grant. "Quando Paris aluscina", co-estrelando seu antigo amor, William Holden, seguiu "Charada". As críticas não foram de todo favoráveis ao filme, que além de Hepburn e Holden contava também com participações especiais de Tony Curtis e Marlene Dietrich.Em 1963, Audrey recebeu o papel principal em "Minha Querida Dama", a doce história de Eliza Doolitle, uma vendedora de flores que quer aprender a ser uma "verdadeira dama". Rex Harrison co-estrela como o professor Higgins, o homem responsável por introduzir sua pupila à sociedade. Durante as filmagens, Audrey descobriu que o acordo que tinha feito com os produtores do filme - o de que cantaria - havia sido cancelado, e que sua voz seria dublada por Marni Nixon (atriz que interpretou uma das freiras em "A Noviça Rebelde"). Os críticos, por esse motivo, e também por terem querido Julie Andrews - que fez o papel na Brodway - como Doolitle, não deram à Audrey uma indicação ao Oscar, mesmo com sua brilhante atuação. Nesse mesmo ano, Julie Andrews ganhou o Oscar de melhor atriz por "Mary Poppins".

Em meados de 1964, Audrey começou a ouvir rumores sobre a morte de seu pai. Mel decidiu fazer uma investigação, e descobriu que o pai da esposa vivia em Dublin, na Irlanda. Audrey o visitou lá para descobrir que, aos 74 anos, ele havia casado-se novamente. Foi um reencontro doce e amargo, e daquele dia até sua morte, 20 anos depois, Audrey mandaria dinheiro para o pai mensalmente.Em 1966, Audrey fez "Como roubar um milhão de dólares", com Peter O'Toole, filme que foi seguido por "Um Caminho para dois", a história de um casal com o passar dos anos: seus pontos altos e baixos, alegrias e frustrações. Este filme refletia o relacionamento de Mel e Audrey na época, que estava passando por dificuldades. Durante os anos de sucesso de sua carreira no cinema, quanto mais famosa Audrey ficava, mais ela e Mel afastavam-se. Foi dito que Mel tinha ciúmes da fama de sua esposa, e que ele foi infiel a ela.Em um último esforço para salvar seu casamento, Audrey concordou em filmar "Um Clarão nas Trevas", suspense dirigido por Mel. O thriller psicológico é sobre uma mulher cega que é assediada por 3 homens que querem uma boneca que contém heroína. O filme foi um grande sucesso, e rendeu a Audrey sua 5ª e última indicação ao Oscar. No entanto, ele não foi o suficiente para salvar seu casamento e, em 5 de dezembro de 1968, Audrey e Mel divorciaram-se, com Audrey mantendo a guarda de Sean e "La Pasible" (Lugar Pacífico), seu lar em Tolochenaz, na Suíça. Depois disso, Audrey parou de trabalhar, recusando todos os papéis.Antes, naquele mesmo ano, Audrey havia conhecido o médico Andrea Dotti, um psiquiatra italiano, a bordo do iate "Olympia Torlonia".

Em 18 de janeiro de 1969, Audrey e Dotti casaram-se, seis semanas após seu divórcio com Ferrer. Quatro meses após o casamento, ela descobriu que estava grávida de novo. Utilizando seu método anterior, Audrey ficou em absoluto repouso. Durante sua gestação, ela soube que os jornais publicavam rumores sobre sua vida privada, escrevendo sobre possíveis casos amorosos de seu marido. Audrey resolveu ignorar a imprensa.Em 8 de fevereiro de 1970, nasceu Luca Dotti. Após viver em Roma com o marido por 1 ano, Audrey tentou convecê-lo a se mudar para a Suíça, para que seu filho pudesse ser criado num ambiente tranqüilo e seguro, a "La Pasible". Dotti recusou, mas Audrey levou as crianças para a Tolochenaz enquanto Andrea ficou na Itália, com tempo de levar uma vida social intensa freqüentando bares e festas.Em 1976, após anos longe das telas, Audrey decidiu voltar a atuar, estrelando ao lado de Sean Connery em "Robin e Marian", a história de um Robin e uma Marian mais velhos, o que eles se tornaram após o "...e viveram felizes para sempre". Ela fez, 3 anos mais tarde, "A Herdeira", filme baseado no romance de Sidney Sheldon.Audrey criou seus filhos com Dotti por 10 anos da melhor maneira que pôde, mas ficou cansada dos casos do marido, e entrou com o processo de divórcio em 1980. Os dois divorciaram-se formalmente em 1982.Depois do divórcio Audrey voltou a trabalhar, fazendo o filme em "Muito riso e muita alegria". No final das filmagens conheceu o ator Robert Wolders. Ambos tinham ficado solteiros recentemente (a esposa de Robert tinha falecido pouco tempo antes de ele ter conhecido Audrey) e eles eram ambos de origem holandesa. Os dois tornaram-se grandes amigos, e viveram juntos até a morte de Audrey.Em 26 de agosto de 1984, a mãe de Audrey, Ella, morreu após ter vivido com a filha em Tolochenaz por 10 anos, deixando-a muito deprimida. Robert então mudou-se com Audrey para "La Pasible", e a confortou pelo divórcio e a morte da mãe. A presença de Robert na vida de Audrey foi muito importante para ela. "Eu amo o Robbie, muito, muito, muito...", ela diz. "Não é que nem 'Romeu e Julieta'; nós tivemos nossos conflitos, mas muito poucos. É uma amizade maravilhosa, nós gostamos um do outro... ele é sólido em todas as maneiras. Eu posso confiar nele. Confio em seu amor, eu não temo perdê-lo."Em 1987 Audrey começou seu mais importante papel, o de Embaixatriz da Unicef. A Unicef é uma organização que ajuda as crianças necessitadas com suplementos de comida, educadores e cuidados médicos. Audrey, tendo sido vítima da guerra, sentiu-se em débito com a organização, pois foi o "United Nations Relief and Rehabitation Administration" (que deu origem à UNICEF) que chegou com comida e suprimentos após o término da Segunda Guerra Mundial, salvando sua vida. Ao lado de Robert, Audrey foi na primeira de suas muitas viagens em prol da Unicef, começando em Macau e depois no Japão e Irlanda. Ela passou a maior parte do ano de 1988 viajando, dando o seu melhor com o intento de ajudar e alertar o mundo para os problemas pelos quais passam as crianças no mundo. Várias viagens memoráveis incluem Etiópia, Turquia e América do Sul.

Audrey teve um ano muito agitado em 1989, começando na América Central. Em abril, ela representou a Unicef em um encontro em Washington, dando seu testemunho sobre a fome. Depois disso, ela partiu para o Sudão, Bangkok e Bangladesh.Foi no final desse mesmo ano que Audrey apareceu em seu último filme, "Além da Eternidade". Dirigido por Steven Spielberg e co-estrelando Richard Dreyfuss e Holly Hunter, Audrey interpretou um anjo chamado Hap. Mais tarde, em 1990, ela filmou uma série de televisão chamada "Jardins do Mundo", que mostrava belos jardins de diversos países, começando pelo seu lar, na Holanda.Em outubro, Audrey fez mais viagens em prol da Unicef, incluindo o Vietnã, e depois foi para a Noruega, para co-estrelar ao lado de Nelson Mandela e Jimmy Carter no "Concerto pela Paz". Em junho de 1991, ela mais uma vez falou na frente do congresso para pedir ajuda em favor das crianças da África.

Em setembro de 1992, Audrey viajou para a Somália, país que estava passando por um verdadeiro pesadelo.Depois da Somália, Audrey e Robert decidiram ir para a Califórnia visitar Sean. Enquanto estava lá, ela passou a ter dores de estômago fortes e, com medo de ter contraído alguma doença numa de suas viagens, Audrey foi para o hospital. Não era um vírus o causador de sua dor, ela foi diagnosticada com câncer de cólon, e mais tarde submeteu-se a uma cirurgia. O médico lhe deu 3 meses de vida, mas ela só aguentou 79 dias.Depois da cirurgia, Audrey retornou para seu amado lar, "La Pasible", para recuperar-se. Enquanto se recuperava, ela recebia notícias de vários colegas; a primeira era a de que tinha ganho o prêmio SAG por sua carreira, que foi aceito em seu nome por Julia Roberts. Mais tarde, ela recebeu a Medalha Presidencial da Liberdade de 1992 por seu trabalho pela Unicef. No início de 1993, Audrey soube que receberia o prêmio humanitário Jean Hersholt numa cerimômia em abril. Sean Ferrer atendeu a cerimônia a recebeu o prêmio por sua mãe. Em 10 de janeiro de 1993, Audrey deu seu último passeio pelos jardins de "La Pasible" ao lado de Robert, parando ao lado de cada planta e dando a ele instruções de como elas deviam ser cuidadas. 10 dias depois, em 20 de janeiro de 1993, Audrey Hepburn faleceu (às 7 da noite), em sua casa, pacificamente durante o sono. No mesmo dia, lojas Tiffany em todo o mundo colocaram sua foto e um sinal em suas janelas.Quatro dias mais tarde, seu funeral foi realizado. Compareceram seus melhores amigos, como Hubert de Givenchy, e também seu ex-marido, Mel Ferrer.

O funeral foi presidido por Maurice Eindiguer, o mesmo pastor que casou Audrey e Mel 30 anos antes. O mundo do cinema perdera sua maior estrela, que seria para sempre lembrada não somente como uma ótima atriz, mas também como um ser humano extraordinário, que dedicara vários anos de sua vida a ajudar crianças de todo o mundo.

Tatuagens Pin-up

2007-10-11T10:02:00.000-03:00

As pin-ups já são tema para tatuagens há muito tempo.

Minha tatuagem baseada em um dos desenhos de Rion Vernon

Agora inspire-se em uma dessas tatuagens, perca o medo das agulhas, escolha um bom tatuador e vá em frente.

Pin-up do mês de outubro: Rita Hayworth

2007-10-03T16:51:00.000-03:00

Nascida Margarita Carmen Cansino, a filha de Eduardo Cansino e Volga Haworth. Os Cansino eram uma famosa família de dançarinos ciganos espanhóis. Treinada profissionalmente, Rita subiu aos palcos pela primeira vez com doze anos de idade. Ao longo da adolescência, ela se apresentou várias vezes em cassinos na fronteira dos EUA com o México. Um barman apaixonou-se por ela e inventou o drink Margarita, em sua homenagem.
Primeiramente atraindo a atenção de produtores de cinema como parte da "Família Cansino de Dançarinos", Hayworth assinou um contrato com a Fox em 1935, fazendo vários papéis pequenos para os filmes daquele estúdio antes de assinar um contrato com a Columbia. Depois de trocar seu nome de Rita Cansino para Rita Hayworth, ela fez parte do elenco do filme Paraíso Infernal (1939) de Howard Hawks. Uma loura com açúcar (1941), com James Cagney, seria seu primeiro sucesso. Sangue e areia (1941), de Rouben Mamoulian, com Tyrone Power, solidificaria o caminho dela para o estrelato.
Após dançar com Fred Astaire em Bonita como nunca e Ao compasso do amor, e depois com Gene Kelly em [[Cover GirlModelos], Rita se firmou como uma das maiores dançarinas de Hollywood e a maior estrela romântica dos anos 40. Mas foi em 1946, com o clássico noir Gilda, ao lado de Glenn Ford, que Hayworth se transformaria na maior estrela da década.
Rita casou-se cinco vezes: a primeira com Edward C. Judson (1937-1943); a segunda com Orson Welles (1943-1948) e tiveram uma filha: Rebecca Welles; a terceira com o príncipe Aly Khan (1949-1953) e, tiveram uma filha, a princesa Yasmin Aga Khan; a quarta com o cantor Dick Haymes (1953-1955), e a última com James Hill (1958-1961).
Para a atriz, o insucesso no amor era definido por ela como: "A maioria dos homens se apaixona por Gilda, mas acorda comigo". Ela morreu na casa de sua filha, Yasmin, em Nova Iorque, aos 69 anos, vítima do mal de Alzheimer, uma doença degenerativa do cérebro que causa a demência precoce.

Filmografia
1934 - The Devil's Cross
1935 - Under the Pampas Moon
1935 - Charlie Chan in Egypt
1935 - Dante's Inferno
1935 - Legs of Silk
1935 - Paddy O'Day
1935 - Professional Soldier
1936 - Human Cargo
1936 - Dancing Pirate
1936 - Meet Nero Wolfe
1936 - Rebellion
1937 - Old Louisiana
1937 - Hit the Saddle
1937 - Trouble in Texas
1937 - Criminals of the Air
1937 - Girls Can Play
1937 - The Game That Kills
1937 - Life Begins with Love
1937 - Paid to Dance
1937 - The Shadow
1938 - Who Killed Gail Preston?
1938 - Special Inspector
1938 - There's Always a Woman
1938 - Convicted
1938 - Juvenile Court
1938 - The Renegade Ranger
1939 - Homicide Bureau
1939 - The Lone Wolf Spy Hunt
1939 - Only Angels Have Wings
1940 - Music in My Heart
1940 - Blondie on a Budget
1940 - Susan and God
1940 - The Lady in Question
1940 - Angels Over Broadway
1941 - The Strawberry Blonde
1941 - Affectionately Yours
1941 - Blood and Sand
1941 - You'll Never Get Rich
1942 - My Gal Sal
1942 - Tales of Manhattan
1942 - You Were Never Lovelier
1944 - Cover Girl
1945 - Tonight and Every Night
1946 - Gilda
1947 - Down to Earth
1948 - The Lady from Shanghai
1948 - The Loves of Carmen
1952 - Affair in Trinidad
1953 - Salome
1953 - Miss Sadie Thompson
1957 - Fire Down Below
1957 - Pal Joey
1958 - Separate Tables
1959 - They Came to Cordura
1959 - The Story on Page One
1962 - The Happy Thieves
1964 - Circus World
1965 - The Money Trap
1966 - The Poppy Is Also a Flower
1967 - L'Avventuriero(The Rover)
1968 - The Bastards
1971 - The Naked Zoo
1971 - Road to Salina
1972 - The Wrath of God

Parabéns a Dita Von Teese!

2007-09-28T00:01:00.000-03:00

Hoje, a pin-up linda e elegante Dita Von Teese está soprando as velinhas.

Ela nasceu Heather Renée Sweet em 28 de setembro de 1972 e é uma das instigadoras do neo-burlesco, sendo considerada um fator essencial para trazê-lo ao mainstream.

Fetichista assumida, Dita Von Teese é responsável pela reinvenção da estética pin-up dos anos 40 e 50 associado à arte ancestral do strip-tease, protagonista de espectáculos que incluem banho num copo de Martini gigante.

Recentemente Dita lançou seu livro Burlesque and the Art of Teese/Fetish and the Art of Teese que é o testemunho ilustrado de uma sex symbol de luxo.

Muitos anos de vida a nossa queridíssima pin-up.

Para assistir "Bonequinha de Luxo"

2007-09-21T11:18:00.000-03:00

Título Original: Breakfast at Tiffany´s
Gênero: Comédia Romântica
Origem/Ano: EUA/1961
Duração: 114 min
Direção: Blake Edwards
Elenco:
Audrey Hepburn, George Peppard, Patricia Neal, Buddy Ebsen, Martin Balsam, José L.de Villalonga, John McGiver, Alan Reed, Dorothy Whitney, Beverly Powers, Stanley Adams, Claude Stroud, Elvia Allman e Mickey Rooney

Sinopse:

Audrey Hepburn e George Peppard desenvolvem um romance envolvente neste best-seller de Truman Capote adaptado para a tela, embalado pela trilha sonora de Henry Mancini e pela canção "Moon River", também de Mancini e de Johnny Mercer, ambas premiadas com o Oscar. Holly Colighly (interpretada por Audrey Hepburn) é uma garota de programa nova-iorquina que está decidida a casar-se com um milionário brasileiro. Ela conhece seu grande amor Paul Varjak (George Peppard), um escritor, quando este se muda para seu prédio, em Greenwish Village, em Manhattan. Na cena de abertura desta comédia super romântica, Holly "namora" as vitrines da luxuosa loja Tiffany às 6h da manhã, depois de ter passado a noite inteira em claro.

Moda pin-up

2007-09-14T14:23:00.000-03:00

Fã das Bettys Page e Grable, além das eternas divas de Hollywood Ava Gardner e Rita Hayworth, a publicitária carioca Ana Bandarra, 27, criou a marca de roupas femininas Voodoo Doll. Com peças para o dia e para a noite, Bandarra desenha saias, vestidos, biquínis e corpetes que, como ela mesma conta, são mais do que peças inspiradas no vestuário pin-up: "É uma reprodução, de fato. A pin-up é sexy sem ser vulgar, não tem a neurose da estética da magreza e não precisa mostrar tudo para mexer com a imaginação dos homens. Tenho a impressão de que essas mulheres se divertiam muito mais".
As clientes da Voodoo Doll são mulheres jovens, de 20 a 30 anos, que buscam personificar as clássicas pin-ups. Fãs de rock dos anos 50, consomem produtos retrô - filmes, discos, móveis -, e não saem de casa sem deixar a sobrancelha bastante arqueada, as unhas com esmalte bem vermelho e a franja curta e estranhamente cortada. "Elas se identificam mais com a Bettie Page do que com a Kate Moss, então querem vivenciar um pouco daquele estilo de vida", resume Bandarra. Pelo visto, em tempos de silicone, botox, lipoaspiração e Photoshop, encarnar a "rainha das curvas" é mesmo uma boa idéia de diversão.

Últimas de Dita

2007-09-12T13:34:00.000-03:00

Frederick’s of Hollywood resgata em sua coleção 2007-08 a era vintage das deusas do glamour e Dita Von Teese será a modelo de sua campanha.

A foto, abaixo, foi tirada por Marilyn Manson ex-marido de Dita Von Teese. Dita gostou tanto da foto que a publicou em seu site http://www.dita.net/ .

Para assistir

2007-09-11T11:35:00.000-03:00

Gilda

Título Original: Gilda

Gênero: Drama

Tempo de Duração: 110 minutos

Ano de Lançamento (EUA): 1946

Direção: Charles Vidor

Roteiro: Jo Eisinger e Marion Parsonnet , baseado em história de E.A. Ellington

Produção: Virginia Van Upp

Fotografia: Rudolph Maté

Figurino: Jean Louis

Johnny Farrell (Glenn Ford) é promovido a gerente de um famoso clube noturno em Buenos Aires, de propriedade de um amigo seu. Quando Gilda (Rita Hayworth), a mulher de seu amigo, é apresentada a Johnny ele a reconhece, pois tiveram um caso no passado. É quando o antigo amor existente entre os dois é reacendido.

Pelo seu clima sugestivo e roteiro repleto de frases dúbias, Gilda é considerado um dos filmes mais eróticos já feitos por Hollywood e bastante ousado para a censura dos anos 40.

A personagem Gilda foi criada especialmente para Rita Hayworth. Ainda assim a atriz inicialmente não queria interpretar a personagem, apenas aceitando-a após o roteiro ser alterado de forma a valorizar sua presença.

Sobre o Vaudeville

2007-09-07T07:49:00.000-03:00

Vaudeville foi um gênero de entretenimento de variedades predominante nos Estados Unidos e Canadá do início dos anos 1880 ao início dos anos 1930. Desenvolvendo-se a partir de muitas fontes, incluindo salas de concerto, apresentações de cantores populares, "circos de horror", museus baratos e literatura burlesca, o vaudeville tornou-se um dos mais populares tipos de empreendimento dos Estados Unidos. A cada anoitecer, uma série de números eram levados ao palco, sem nenhum relacionamento direto entre eles. Entre outros, músicos (tanto clássicos quanto populares), dançarina(o)s, comediantes, animais treinados, mágicos, imitadores de ambos os sexos, acrobatas, peças em um único ato ou cenas de peças, atletas, palestras dadas por celebridades, cantores de rua e filmetes.

Fonte:Wikipedia

Burla

2007-09-06T14:22:00.000-03:00

A programação do Theatro Circo de Braga tem como destaque principal, em Setembro e Outubro, o Burla, um festival do burlesco com espetáculos em que predominam a sensualidade e o humor, melodias que nascem dos mais inesperados objetos a par da magia e do misticismo. O responsável pela programação do Theatro Circo, Paulo Brandão, anunciou que o Burla traz a Braga talentos que se multiplicam entre as artes circenses e o mundo dos cabarets.

Space Vixens

School Girls

O festival, que apresenta, entre outros, The Glam-O-Rama Girly Show, Tomás Kubínek, Vermillion Lies e Lucent Dossier Vaudeville Cirque, começa no dia 15 de Setembro. No primeiro dia, o espectáculo The Glam-O-Rama Girly Show desvenda o mundo das pin-ups. Com percursos a solo no cenário burlesco internacional, Bettina May, Tana, The Tattooed Lady e Vienna Le Rouge juntam-se ao comediante Vincent Drambuie em alguns dos números que lhes deram o reconhecimento no cenário burlesco e cabarético internacional, destaca o responsável. Segundo Paulo Brandão, os Glam-O-Rama encarnam o estilo das modelos que marcaram presença nos armários e no imaginário masculino da primeira metade do século XX, para interpretar os números Space Vixens, School Girls, Stewardess ou Luck be a Lady. No dia anterior, Bettina May, Tana The Tattoed Girl e Viena Le Rouge propõem ao público feminino uma sessão de transformação em modelos pin-up, em estrelas dos míticos anos 40 e 50. Empenhadas em partilhar o glamour e magia que exibem em palco, as Glam-O-Rama, mentoras da Pin-Up School, proporcionam às entusiastas da moda e cultura desta época a oportunidade de aprenderem a maquiar-se, pentear-se, vestir-se e posar como autênticas pin-ups. A iniciativa culmina numa sessão fotográfica, e na entrega às participantes de um livro com os conteúdos abordados e com o registo digital, das fotos da caracterização.
Passando para a comédia de excelência, conjugada com momentos de magia e acrobacia, o Theatro Circo recebe em 20 de Setembro, Tomás Kubínek com um espectáculo que lotou salas como o Royal Albert Hall, em Londres, a Broadway’s New Victory Theatre, em Nova Iorque, e a Brooklyn Academy of Music. Algures entre a comédia, a mímica, a magia, a acrobacia, a música, o vaudeville e o clowning, as performances de Tomás Kubínek cativam públicos de todas as idades. 6 de Outubro, o palco do Theatro acolhe as irmãs Kim e Zoe Boekbinder, mais conhecidas por Vermillion Lies, representantes do género twisted folk, que apresentam Separated by Birth, álbum de estreia. As suas músicas - sublinha a fonte do Theatro Circo - criam melodias a partir de objetos como pianos, máquinas de escrever, grelhadores, latas ou vassouras. Infelizmente não existe previsão deste espetáculo ser apresentado no Brasil.

Sucide Girls, pin-ups modernas?

2007-09-04T16:02:00.000-03:00

Garotas normais, elas assumem o próprio corpo e mostram-se sensuais sem apelar para conceitos pré-estabelecidos de beleza - não à toa, algumas exibem tatuagens pelo corpo, piercings, maquiagem bem carregada e, por que não?, uns quilinhos a mais. É o que a americana Missy (ela não revela a real identidade), 28, chama de garotas suicidas .

No ar desde 2001, o SuicideGirls.Com tornou-se referência mundial na divulgação dessas mulheres. Com milhares de visitantes por mês, reúne mais de mil garotas, cujas fichas trazem perfil pessoal, vídeos e ensaios fotográficos (por vezes produzidos pelos próprios membros). É uma espécie de Orkut das "pin-ups modernas".

A fundadora do site Suicide Girls, Missy, adianta que as "novas pin-ups" não são nada mórbidas. O termo, na verdade, foi tirado do livro Sobrevivente , do escritor Chuck Palahniuk, e adaptado por ela para denominar as garotas que exibem suas fotos no portal. Missy explica: Ser uma garota suicida é uma questão de atitude! Temos muitas garotas no site que não têm o cabelo pintado ou modificações no corpo, como tatuagens e piercings. A beleza vem de dentro e ter confiança definitivamente ajuda muito. Eu diria que as garotas suicidas são as mais arrasa-quarterões e as mais descoladas do planeta. Elas sabem quem são e como são, e não têm medo de serem elas mesmas .
Bom, eu ainda prefiro as pin-ups de antigamente, dei uma olhada no site e achei que foge ao conceito de beleza sem vulgaridade.

Wallpapers de pin-up para baixar.

2007-09-03T15:47:00.000-03:00

Clique para ampliar e salve em seu computador:

Pin-up do mês de setembro Yvonne DeCarlo

2007-09-01T13:24:00.000-03:00

Yvonne DeCarlo (Lily), nasceu Peggy Yvonne Middleton em 1º de setembro de 1922, em Vancouver, no Canadá. Começou atuando no cinema em filmes "B". Chegou a fazer uma ponta em Os Dez Mandamentos em 1956.

Lily Monstro foi a personagem que a tornou famosa. Depois da série, era sempre convidada a estrelar filmes de terror. Em 1995, Yvonne fez sua última aparição em TV. Também escreveu sua biografia, Yvonne.
Casou-se em 1955 com Bob Morgan, um dublê importante com quem teve dois filhos, Bruce e Michael. Após um acidente ao filmar uma cena perigosa saltando de um trem em movimento em "A Conquista do Oeste", Morgan perdeu uma perna e Yvonne abandonou a carreira para cuidar dele, mas o casal acabou se divorciando. Nos últimos anos de vida, Yvonne viveu perto de Solvang, ao norte de Santa Bárbara (EUA). Seu filho Michael morreu em 1977 e ela sofreu um ataque de apoplexia no ano seguinte.

Yvonne morreu no início deste ano, aos 84 anos, de causas naturais, no Motion Picture & Television Fund's Retirement Home, um asilo de artistas situado em um subúrbio de Los Angeles.

Corsets ao alcance de todas

2007-08-31T16:27:00.000-03:00

Não se desespere caso não consiga achar uma loja de corsets perto da sua casa ou em sua cidade. Já é possível encontrar à disposição na internet lojas especializadas, o importante é fornecer suas medidas de maneira correta, conforme ilustração abaixo:

1- Circunferência do busto: na linha dos mamilos
2- Circunferêcia do torax: logo abaixo dos seios
3- Circunferência da cintura: linha mais côncava da região abdominal
4- Circunferência da bacia: Altura em que terminará seu corset, ele não deve ser curto e não deve atrapalhar ao sentar (Fonte: http://www.blackcatcorsets.com/)

Após pesquisar na internet resolvi indicar a loja Black Cat Corset, me pareceu uma loja séria e com produtos de qualidade. Selecionei os modelos que mais gostei, para acessar o site da loja clique sobre as figuras:

O artista das pin-ups

2007-08-23T12:39:00.000-03:00

Alberto Vargas notável pintor de pin-ups nasceu em 09 de favereiro de 1896 em Arequipa, Peru. Mudou-se para os EUA em 1916 após estudar arte na Europa. Trabalhava essencialmente com aquarela e tornou-se famoso em 1940, durante a Segunda Guerra Mundial quando ilustrou para a Esquire magazine as primeiras pin-ups, apelidadas na época como “Vargas Girls” .

Alberto Vargas morreu em 1982, com 86 anos de idade. Seus trabalhos podem ser vistos no Museu de Arte da Universidade do Kansas.

Uma das ilustrações de Alberto Vargas

Pin-up do mês de agosto Martha Hyer

2007-08-15T11:26:00.000-03:00

Martha Hyer nasceu em 10 de agosto de 1924, em Fort Worth, Texas.
Ela tinha 11 anos quando apareceu pela primeira vez em um filme, Thunder Mountain (1947). Quando terminou seu ensino formal, Martha fez uma participação em The Locket (1946). Aos poucos, Martha começou a atuar em filmes mais importantes. Os melhores anos para esta linda atriz começaram a partir de 1954, quando atuou em Down Three Dark Streets (1954), Showdown at Abilene (1956) and Battle Hymn (1957). A melhor atuação de sua carreira foi em 1958 ao lado de Frank Sinatra, Dean Martin e Shirley MacLaine em Some Came Running (1958), por esta atuação ela foi indicada ao Oscar de melhor atriz coadjuvante. Depois disso Martha começou a atuar em filmes estrangeiros e só reapareceu nas telas americanas em 1973 com seu ultimo filme Day of the Wolves (1973). Martha Heyer se casou em 1966 com o produtor Hal B. Wallis permaneceu com ele até sua morte em 1986.

(Retirado de http://www.imdb.com tradução de Ilanna)

Parabéns para mim!

2007-07-13T09:38:00.000-03:00

Hoje é o meu dia de diva! É o meu aniversário!

Para mim é uma honra fazer aniversário no mês em que a nossa estrela maior, Marilyn Monroe, estaria soprando as velinhas.

Viva a todas as pin-ups que estão aniversariando hoje, muitos anos de glamour, diamantes e espumantes!

Marilyn Monroe, Pin-up do mês de julho

2007-07-01T12:23:00.000-03:00

Ela nasceu Norma Jeane Mortenson no dia 1º de julho de 1926, em Los Angeles, Califórnia, filha de Gladys Baker. Como a identidade de seu pai era desconhecida, ela foi batizada como Norma Jeane Baker. Gladys trabalhava nos estúdios RKO como editora de filme, mas problemas psicológicos a impediram de permanecer no emprego e ela foi eventualmente levada para uma instituição mental.Norma Jeane passou grande parte de sua infância em casas de família e orfanatos até que, em 1937, ela mudou-se para a casa de Grace Mckee Goddard, amiga da família. Infelizmente, em 1942, o marido de Grace foi transferido para a costa Leste, e o casal não tinha condições financeiras para levar Norma Jeane, na época com 16 anos.

Norma Jeane tinha duas opções: voltar para o orfanato ou se casar.No dia 19 de julho de 1942, ela casou com Jimmy Dougherty de 21 anos, com quem estava namorando há seis meses. “Ela era uma menina doce, generosa e religiosa” disse Jimmy. “Ela gostava de ser abraçada”. Até então Norma Jeane amava Jimmy e eles estavam muito felizes juntos, até que ele entrou para a marinha e foi transferido para o Pacífico Sul em 1944.Após a partida de Jimmy, Norma Jeane começou a trabalhar na fábrica Radio Plane Munition em Burbank, Califórnia.

Alguns meses depois, o fotógrafo Davis Conover a viu enquanto tirava fotos de mulheres, que estavam ajudando durante a guerra, para a revista Yank. Ele não acreditou na sua sorte. Ela era um “sonho” para qualquer fotógrafo. Conover a utilizou para a seção de fotos e começou a lhe enviar propostas de trabalho como modelo. As lentes adoravam Norma Jeane, e em dois anos ela tornou-se uma modelo respeitável e estampou seu rosto em várias capas de revistas. Ela começou a estudar o trabalho das lendárias atrizes Jean Harlow e Lana Turner, e inscreveu-se em aulas de teatro sonhando com o estrelato. Porém, Jimmy retornou em 1946, o que significou que Norma Jeane tinha que fazer outra escolha, dessa vez entre seu casamento e sua carreira.

Norma Jeane se divorciou de Jimmy em Junho de 1946, e assinou seu primeiro contrato com a Twentieth Century Fox em 26 de agosto de 1946. Ela ganhava $125 por semana. Pouco tempo depois, tingiu seu cabelo de loiro e mudou seu nome para Marilyn Monroe (Monroe era o sobrenome de sua avó). O resto, como dizem, virou história.

O primeiro papel de Marilyn em um filme foi uma participação, em 1947, em The Shocking Miss Pilgrim. Fez pequenas atuações até 1950, quando conseguiu um pequeno, mas influente papel no thriller de Jonh Houston The Asphalt Jungle Ainda naquele ano, a atuação de Marilyn no papel de Claudia Caswell em All About Eve (estrelando Bette Davis) a rendeu muitos elogios. A partir daí, participou de filmes como: Let's Make It Legal, As Young As You Feel, Monkey Business e Don't Bother to Knock. No entanto, foi sua performance em Niagara, 1953, que a tornou estrela.

Marilyn fez o papel de Rose Loomis, uma jovem e bela esposa que planeja matar seu velho e ciumento marido (Joseph Cotten).O sucesso de Marilyn em Niagara a rendeu os papeis principais em Gentlemen Prefer Blondes (com participação de Jane Russell) e How to Marry a Millionaire (com participação de Lauren Bacall e Betty Grable).

A revista Photoplay votou Marilyn como melhor atriz iniciante de 1953, e aos 27 anos de idade ela era sem dúvida a loira mais amada de Hollywood.No dia 14 de janeiro, 1954, Marilyn casou com o jogador de baseball Joe DiMaggio, em São Francisco, Califórnia. Eles namoravam durante dois anos quando Joe pediu a seu agente que organizasse um encontro para os dois jantarem e a pediu em casamento. “Eu não sei se estou apaixonada por ele ainda,” disse Marilyn à imprensa logo no início de seu relacionamento, “mas eu sei que eu gosto dele mais do que qualquer homem que já conheci”. Durante sua lua de mel em Tokyo, Marilyn fez uma performance para os militares que estavam servindo na Coréia. A sua presença causou quase um motim, e Joe estava claramente incomodado com aqueles milhares de homens desejando sua mulher.Infelizmente a fama de Marilyn e sua figura sexual tornaram-se um problema em seu casamento. Nove meses depois, no dia 27 de outubro de 1954, Marilyn e Joe se divorciaram. Eles atribuíram a separação a “conflitos entre carreiras”, e permaneceram bons amigos.

Em 1955, Marilyn estava pronta para livrar-se da imagem de furacão loiro. Isso tinha dado a ela o estrelato, mas agora que ela tinha a oportunidade e a experiência, Marilyn queria seguir com seriedade a carreira de atriz. Ela mudou-se de Hollywood para Nova York para estudar na escola de atores de Lee Strasberg. Em 1956 Marilyn abriu sua própria produtora, Marilyn Monroe Productions. A empresa produziu Bus Stop e The Prince and the Showgirl (com participação de Sir Laurence Olivier). Esses dois filmes serviram para Marilyn mostrar seu talento e versatilidade com atriz. Marilyn foi reconhecida pelo seu trabalho em Some Like It Hot,1959, e venceu o Golden Globe de melhor atriz em uma Comédia. No dia 29 de junho de 1956, Marilyn casou-se com o dramaturgo Arthur Miller. O casal se conheceu através de Lee Strasberg, e amigos disseram que ela o deixava de “joelhos bambos”. Enquanto eles estavam casados, Arthur escreveu o papel de Roslyn Taber em 1961, em The Misfits, especialmente para Marilyn. Estavam também no elenco Clarck Gable e Montgomery Clift. Infelizmente o casamento entre Marilyn e Arthur terminou no dia 20 de janeiro, 1961 e o filmeThe Misfits foi o último filme por completo em que Marilyn (e Gable) atuou. Nos Golden Globes de 1962, Marilyn foi nomiada a personalidade feminina favorita de todo cinema mundial, provando mais uma vez que é mundialmente adorada. Lamentavelmente, o pior aconteceu na manhã do dia 5 de agosto de 1962, aos 36 anos Marilyn faleceu enquanto dormia em sua casa em Brentwood, Califórnia. O mundo estava em choque. O brilho e a beleza de Marilyn faziam parecer impossível que ela tivesse deixado a todos. No dia 8 de agosto de 1962, o corpo de Marilyn foi velado no Corridor of Memories, nº 24, no Westwood Memorial Park em Los Angeles, Califórnia.Durante sua carreira, Marilyn atuou em 30 filmes e deixou por terminar Something's Got to Give. Ela foi mais do que uma estrela de cinema e rainha do glamour. Um verdadeiro furacão durante toda sua vida, a popularidade de Marilyn foi muito além de qualquer ícone. Hoje o nome “Marilyn Monroe” é sinônimo de beleza, sensualidade e glamour. Ela continua sendo uma inspiração para todos aqueles que lutam pelos seus ideais e superam os obstáculos.

(Retirado do site oficial de Marilyn Monroe)

Objeto de desejo

2007-06-27T13:36:00.001-03:00

Corset underbust - São corsets abaixo do busto, devem ser usados com blusas por baixo, o que garante uma maior diversidade de combinações e variações de uso da peça.

Corset overbust - São corsets inteiriços, podem ou não ser usados com segunda pele por baixo. Geralmente, menos versáteis do que os underbusts.

Dita e o batom gigante

2007-06-26T12:16:00.000-03:00

Abaixo, fotos para quem ficou curioso sobre a performance apresentada por Dita Von Teese no show beneficente, durante o 60º Festival de Cinema de Cannes.
O "Lipteese" foi simplesmente um luxo.

Blonde

2007-06-25T09:53:00.000-03:00

A GNT vai exibir a partir do dia 29 de junho, às 23:00, a série em três capítulos "Blonde - A história de Marylin Monroe".
A Série é apresentada como ficção com alguns fatos reais. A direção é de Joyce Chopra e no elenco estão também Patricia Richardson, Ann-Margret, Kirstie Alley e Patrick Dempsey.
Poppy Montgomery que faz o papel da diva Marilyn Monroe e teve sua atuação elogiada, porém a série de 4 horas é considerada medíocre pela maioria dos críticos.

Estréia de Dita Von Teese no cinema

2007-06-05T14:10:00.000-03:00

A dançarina Dita Von Teese fará sua primeira grande estréia nas telonas interpretando uma stripper no filme The Boom Boom Boom, baseado no romance homônimo de Lian Lunson. Conhecida por suas performances sensuais, a ex-modelo e atriz de 34 anos ostenta o título de "rainha do striptease".
O início das filmagens de The Boom Boom Boom, que também será dirigido por Lunson, ainda não foi definido. O produtor do longa, Orian Williams adiantou apenas que se trata de uma "linda história de família, quase um conto de fadas, sobre amor, perdas e ganhos".
Recentemente, Dita participou de um show beneficente, durante o 60º Festival de Cinema de Cannes. Montada sobre um batom gigante, a dançarina tirou a roupa em uma performance que agradou os espectadores. Além dela, estavam presentes no evento a cantora Kylie Minogue e a atriz Sharon Stone.
Em dezembro do ano passado, a ex-modelo divorciou-se do cantor Marilyn Manson. Os dois estavam casados há cerca de um ano e, ao consumarem a separação, alegaram "divergências irreconciliáveis". A atriz também chegou a ser capa da edição especial de Natal da Playboy, em dezembro de 2002.

Bettie Page não gosta de filme sobre sua vida

2007-05-21T14:27:00.000-03:00

Bettie Page não gostou do filme sobre sua vida. A pin-up dos anos 50 não ficou nem um pouco entusiasmada com The Notorious Bettie Page, em que Gretchen Mol faz seu papel.
A atriz, que está com 82 anos e virou evangélica, teria ficado irritada com a produção.
A ex-pin-up não gostou, por exemplo, da palavra "notória" no título. A fita teve direção de Mary Harron.

Pin-up?

2007-05-20T04:00:00.000-03:00

Coxas grossas, seios fartos e cinturinha de pilão. Longe das pressões de magreza sugeridas pelo mundo da moda, elas exibem formas generosas. São elegantes, embora costumem trajar apenas meias-calça e corpetes com decotes bastante sugestivos. São as pin-ups, por vezes chamadas de garotas de calendário. Cheias de charme e sensualidade, essas mulheres elevaram os conceitos de erotismo e têm influenciado uma nova geração feminina que deseja trazer o mistério de volta à sensualidade.

Falar sobre as pin-ups é voltar ao fim do século 19, época em que o teatro de revista transformava dançarinas em estrelas, fotografadas para revistas, anúncios, cartões e maços de cigarros. Em Paris, dois artistas, Alphonso Mucha e Jules Cheret, criaram as primeiras imagens de mulheres em poses sensuais para pôsteres, com trabalhos marcados pela presença de contornos e detalhes.

A arte dos pôsteres virou escola e influenciou artistas até as primeiras décadas do início do século 20, quando os calendários também passaram a trazer desenhos de mulheres com silhuetas idealizadas pela imaginação masculina da época. E é justamente a partir do ato de pendurar ilustrações nas paredes que o nome pin-up surgiu. Foi na década de 40, contudo, que as pin-up girls (ou "garotas penduradas") viveram o auge do sucesso. Numa época em que mostrar as pernas era atitude subversiva e ser fotografada nua, atentado ao pudor, lápis e tinta davam forma a essas mulheres, carinhosamente chamadas de "armas secretas" pelos soldados americanos - na Segunda Guerra Mundial, elas serviam de alívio para os pracinhas que arriscavam a vida nos campos de batalha.